domingo, 31 de octubre de 2010

Recopilatorio para Halloween (descarga/download) por Pole on Mars


Hoy es un día ideal para disfrazarse saludando al otoño, al igual que el carnaval en primavera, así que como toda fiesta pagana se merece, siempre hay música y bebidas espirituosas de dudosa destilación.

Para celebrar la vuelta al día a día en el mundo blog, después de casi dos años desde que me cerraron la anterior página de recomendaciones musicales por colgar un dibujo de el desnudo (portada de Oh de Lambchop) , he decidio retomar esta actividad que ahora que viene el frío me viene bien para estar alejados de los bares y tugurios que solía frecuentar.Aparcada mi afición de Dj desde hace tiempo (nunca hay que mezclar lo melómano con el entretenimiento en Aliante o Granada no es muy factible,y hay principios que igual son muy cuestionables).

Os propongo una recopilación para este día, que no está ni mezclada ni secuenciada y que cada uno eliga de entre las cerca de 50 canciones recopiladas las que mejor entren en su fiesta. Se podrá notar cierto regusto rockabilly,surf o garajero.Aunque hay de todo y muchas me he olvidado, igual para otra ocasión,pero que son muy populares (a mi entender) como son el "Kaw Liga" de The Residents o "Thriller" de Jacko.

Sin más,espero que os guste y no acabeis (o si...) de este modo calabacero...

Mouse on Mars - Wipe that Sound (2004)

Que Mouse on Mars sea uno de mis grupos favoritos,es algo que traspasa lo cósmico. Tal vez,después del magnífico "Idiology", el disco "Radical Connector" no fue un sucesor que se le acercase a los niveles de su obra.Pero este single extraído de éste último, me sigue pareciendo un claro ejemplo de lo que debería ser el pop a día de hoy.Este single, además, es premonitorio de una de las colaboraciones más grandes de los últimos tiempos: las de Mark E Smith de los eternos The Fall y Mouse on Mars,(Cut the gain!) proporcionando un mundo musical transgresor a la altura de dicha figura en Von Sudenfed. Además, también es una de las canciones preferidas de Paula y es un homenaje al cumpleaños que vamos a celebrar esta noche.Felicidades Pau! Recuerda:lo mejor de nuestar vida aún está por ocurrir...-Alfaro dixit-


Super_Collider: Raw Digits (2002,Rise Robots Rise)


Este disco, representa para mi, el cómo debe ser el devenir de la música en cada momento. Experimentación, transgresión de raíces para entregar algo visionario y único. Después de este disco, tras el también disfrutable "Head On"(1999), se demostró lo irrepetible de este documento o esta obra de arte. Insuperable para Vogel o Jamie Lidell en solitario, uno centrado en la electrónica y el otro en el soul,respectivamente. Pero juntos, supieron aunar toda su creatividad en el último disco de soul transgresor de la historia de la música.Disco que dignifica un género y lo convierte en superlativo. Mezclándose con el funky, la IDM de aquellos días, el house o el techno, daba igual. Eran dos jóvenes y experimentados cerebros intentado expandirse y créanme que lo lograron. Valorar este disco como pop, también es posible. Una producción arriesgada para el r&b que nos cuelan en la radio fórmula de una manera morcillera y sin ningún atisbo de originalidad, salvando honrosas y alguna memorable excepción (Outkast,Missy Elliott,Timbaland,etc).

Plantarse sin ganas de salpicarse en "Raw Digits" es algo,imposible. El viaje no resulta indiferente. Ánimo creciente en los que disfrutan de escuchar música imaginativa y tedio para los que prefieren recostarse en lo sobado y anquilosado. Tal vez, es categorizar demasiado, pero es lo que pasa cuando uno habla de uno de sus discos esenciales de la pasada década y, también, de todos los tiempos. Desde la inicial "Messagecomin", donde te avisan de sus intenciones "Amplfy to mitfy",pasando por el funk de "Closetails" o las tórridas "Bug Trackin',la maravillosa "In The Beams" "o "Gravity Rearrangin" donde mezclan por momentos a Otis con el glitch."Soily Soul" debe ser lo más parecido al kraut house, si este género existiera.Todas las canciones están hechas bajo un proceso y minucioso de cirugía que nos acercaría a gente como Akufen o Herbet. Ambos, que en la misma hornada entregaron también obras esenciales para la expansión de la música electrónica que transgredía el pasado.Cuando te das cuenta , "Collide n Conquer" con un aire de techno dub macabro, te asalta y te despide impávido ante semejante despliegue de talento en menos de una hora. Partidazo.Olimpo y todas las  bragas de la plaza de toros cuando toreaba el tal Jesulín.

The 6ths: Wasps' Nests (Merge,1995)


Encontrarse con la obra de Stephin Merritt edurante la década de los noventa transmite siempre un enorme respeto y signo de reverencia, al menos en mi caso. Ya fuera con Magnetic Fields, donde su nombre como letrista de pop superlativo se acrecentó, unido a las sonoridades caseras de sus discos, pivotando entre los experimentos cacharreros, el synth pop y el pop de autor. Da igual sitetizador que ukelele, el señor Merritt es una persona que sabe retratar con ironía y acierto las situaciones cotidianas menos versadas en el pop. Luego, entró en la década pasada con una obra en los noventa mayúsucla donde los discos anteriores a "69 Love Songs" ya eran grandes cimas,pero con este se vació de una manera que le hizo alcanzar toda la notoriedad en el mundo "indie" que se merecía. Esta pasada década, va sin fondo acomodándose demasiado en producciones y perdiendo fuelle casero, ese que tanto nos maravilló.

The 6ths, fue un proyecto donde invitaba a amigos y voces autorizadas en el mundo del pop para colaborar en esta especie de uiniverso paralelo de Merritt. El resultado, a día de hoy, sigue siendo otra cima discográfica del propio Merritt, que solo pone voz a la extraordinaria "Aging Splinters",Mary Timony se acerca al sonido c86 con "All Dressed Up in Dreams" y Dean Warehan (Luna y Galaxie 500) borda "Falling Out of Love With You", Mitch Easter (lider de los también recomendables Let's Active) sobrevuela en "Pillow Fight" y Mac MacCaughan (Superchunk/Merge) borda "Drean Hat".Maravillosas y delicadas de principio a fin. Final a cargo de una figura como Chris Knox (Tall Dwarfs y uno de los mayores totems del pop neo zelandés).Sin olvidar la inicial, "San Diego Zoo" con Barbara Manning.

Pero si hay dos píldoras que forman parte de mi colección indispensable son,por un lado "In The City in The Rain" con Lou Barlow (Sebadoh) que ya anticipa el tono de pop casero que Barlow tomaría en solitario (con un disco tan especial como "Emoh") y "You Can't Break a Broken Heart" con Jeffrey Underhill que tanto me recuerda a los maravillosos "Get Lost"(1995) o "Holiday" (1994).

Merritt después siguió montando otras válvulas de escape como Future Bible Heroes,The Gothic Archies e incluso,compuso alguna banda sonora.Pero a este disco le tengo especial cariño y tuvo continuación en 2000 con "Hyacinths and Thistles".Pero eso ya son historias para otra ocasión.

sábado, 30 de octubre de 2010

Sir Coxson Sound: King of Dub Rock (1975,Safari/tribesman)


Otra maravilla salida del estudio de King Tubby , a cargo de Lloyd "Coxsone", que llevaba al contrario que muchos de su generación, desde 1962 viviendo en Londres. Productor, residente del Roaring Twenties Club y fundador de sus sellos propios Safari o Tribesman, este disco supone un gran documento dentro del reggae/dub ya que se nutre de una cantidad de elementos que no aparecían en las producciones propias de Jamaica. Su visión europea le hizo introducir una paleta de sonidos adicional. En las sesiones de grabación, estuvieron presentes músicos de distintas formaciones jamaicanas, especialmente The Revolutionaries. 

Tal vez, la presencia de gente como Lloyd Coxson en la escena inglesa y los soundsystems hicieron acrecentar el conocimiento de la cultura jamaicana en el reino unido y todo ello, históricamente ha tenido una gran relevancia.Do you remember?


Invisible Conga People : Cable Dazed (Italians Do It Better,2008)


No se si seguir poniendo velas para la vuelta de material nuevo del duo formado por Eric Tsai y Justin Simon, que con este maravilloso single para el sello de Mike Simonetti me regalaron uno de los momentos más memorables de hace dos años, donde seguía con especial atención todo lo que olía a regeneradores de la música disco, Lindstrom,Prins Thomas,Todd Terje,Diskjokke (por hablar del norte) o bien de distintas referencias salidas de Estados Unidos,las remezclas de Ewan Pearson ...Pero el minimalismo disco de esta canción,"Cable Dazed", me sigue maravillando cada vez que la escucho. Simplemente, caigo en un estado de flotación y desvanencimiento neuronal difícil de explicar.La voz de Marike Damhuis penetra con sutileza dentro del entramado rítmico que te deja girando libre de toda gravedad.

"Weird Pains", sigue el mismo corte minimalista pero esta vez se acerca algo más al funk y al susurro, consiguiendo ampliar la sensación de otra de las maravillas que ahora recuerdo como es la de Al Usher junto a Ewan Pearson como Partial Arts y su increíble "Trauermusik". Ambas, tan melancólicas y absorventes,sanadoras y curativas.Sensacionales..Ahora me acano de acordar de Will Saul,pero no se porqué.El caso es que Invisible Conga People me traen muchos recuerdos y todos son excelentes. Recuérdalo.

Black Dice: Smiling Off (DFA Records,2005)


Tras el prometedor debut en largo con el tremendo "Beaches and Canyons" (2003) y su single posterior  "Cone Toaster", Black Dice terminaban de asentar su sonido ruidoso de sus singles y eps previos al unir el ADN de grupos de transgresión popular como The Residents. Animal Collective acababan de editar "Sung Tongs" y "Feels" y avanzaron al estrellato de la escena de ruidismo únida a la trangresión del folk, cuando ellos sacaron su tercer y lúcido disco "Broken Ear Record". Siempre incómodos y severos en toda su discografía, la luz llegó con este single/ep donde aparecían dos tremendas remezclas a cargo de DFA y, especialmente Luomo.

La remezcla de DFA, se hace concisa en ritmos percusivos herencia de Liquid Liquid, del sonido disco y casi avanzan el sonido pop de Battles con "Atlas".Bailar con sonidos cercanos a la vanguardia era una buena excusa. Pero el plato fuerte se centra en la enorme remezcla de Luomo, acercando el imaginario caótico de Black Dice a la dosis de house para soñar que tanto agradó en su "The Present Lover". Microhouse y vanguardia pop de la mano, en un documento que solo "Atlas" y "Every Word..." de Alog, pueden decir acercarse. "Peacebone" de los Animal Collective,quizás.Pero, algo tan oscuro y tremendo aun está pendiente de aparecer en la discografía de Animal Collective a mi gusto. Tal vez, deberían centrarse en avanzar musicalmente y no quedarse estancados dándole vueltas en acercarse al pop una y otra vez. Black Dice, deberían olvidarse de ser tan ásperos para ser algo más pop para ganar puntos. Dos historias de dos bandas con inicios parecidos y senderos tomados totalmente distintos.Aún así, admirables y cuestionables en el mismo sentido.Igual, ese cruce ya está inventado y se llama "Raw Digits" ,obra maestra de Super_Collider.

King Tubby Meets the Upsetter: At The Grass Roots of Dub (Total Sounds,1974)


El encuentro entre Lee Scratch Perry y King Tubby en este disco , producido por Winston Edwards y grabado en sus estudios propios, Black Ark y King Tubby's en Kingston, creando un documento único y eterno dentro de la música dub, ya que se trata de dos de las figuras más creativas dentro de la música jamaicana esos años.

El sonido primitivo y experimental del disco es otra de sus virtudes. "African Roots" tiene un aire tan arrebatado que me recuerda al homenaje que le hace Markku Peltola y sus Buster Keaton Orchestra combinado con el western hace unos años. O la maravillosa "Woods Roots", con todos esos efectos rodeando la melodía o los aires de suspense funky de "Luxe Lane Rock".La skatalitica "People From the Grass Roots" sigue siendo portuaria y recordándote el estado mental de andar trompa.Pero el remate final con "King and the Upsetter at the Spanish Town" fundiéndose con el toque latino es sin duda, otra maravillosa demostración de talento.

Disco inconmensurable y absolutamente necesario.

Maurizio: M4 (Maurizio,1995)


Sin duda, Mark Ernestus y Moritz Von Oswald, son reyes y genios dentro del techno dub y de regenerar la música roots/dub dentro de un enfoque que bebe de Detroit (comparación obvia pero justificada al masterizarse este ep allí, en el National Sound Corporation) y del clima berlinés. Es difícil, por otro lado señalar solo una de sus referencias, recopiladas posteriormente en "M"(1997)  como uno de los documentos más emblemáticos de la electrónica en los años noventa. Fundadores de "Basic Channel", editando bajo los alias de Phylips,Quadrant o Cyrus, pusieron las piedras fundacionales del techno dub que esta década ha sido recuperado por una nueva generación para seguir ofreciendo una alternativa doméstica a la música de club.Ambas dos, buscan un trance, en muchos de los casos referencian a una escena o droga en particular,o ambas dos. Este Ep, "M4" es uno de mis preferidos de toda la serie, a la cual también le dedique un espacio.Las dos caras de este ep, "A1" y "B1" sin título las dos,son sencillamente una auténtica delicia, creánme.

Tal vez, como  Rhythm & Sound se acercan muchísimo más a la música jamaicana ( auténtico jamón de pata negra), pero el camino marcado por las series "M" y todo el material de Basic Channel/Chain Reaction, sigue siendo a día de hoy un legado musical rico y continuamente revisitable.Minimalismo,dub,techno,...joya.

Keith Hudson : Pick a Dub (Atra,1974)


Está claro, que la vida jamaicana tiene poco que ver con la europea y su ritmo es completamente distitno. A eso,obviamente hay que añadirle el consumo de marihuana y la sensación que transmite su consumo (uno que estudió en Holanda,sabe bien lo que es encontrar hierbas variopintas y estimuladoras). Por lo tanto el sonido de Jamaica sigue siendo único y el futuro descubrimiento de dicha música han sido una fuente inagotable de nuevas ideas, desde el post punk a la música electrónica. Tampoco podemos olvidar las maravillosas producciones que salían de los distintos estudios donde gente como King Tubby,Joe Gibbs o Lee Scratch Perry,hacían de las suyas creando sesiones de grabación y post producciones con un valor añadido fuera de toda duda.

Lloyd Lindburg, es otro productor de Kingston, y "Pick a Dub" junto a "Flesh on my Skin:Blood of my Blood"(1975) que tal vez no haya tenido el cartel de otros compañeros de generación, pero cuyos discos son completos y devastadores documentos del escapismo dub y el detallismo de tremendas composiciones como la titular "Pick a Dub", de melodías melancólicas como "Michael Talbot Affair" cercanas al blues, de psicodélicas sensaciones dentro de "Dreaded Than" o la maravillosa "In The Rain", son simplemente ejemplos de grandeza y permeabilidad.

Con un buen trócalo las cosas se ven a otro ritmo, tal vez deba recuperar mi afición a dichas sustancias cada vez que quiera recuperar estos discos. Necesarios,por otro lado.Solo me falta coger la melódica y ponerme a susurrarle a las palmeras,tan del Levante Mediterráneo, o acercarme al puerto cuando no haga frío.

Rod Modell: PLays Michael Mantra (Silentes,2007)


Rod Modell saltó a la fama después con Echospace/Deepchord , después de llevar una década sacando discos bajo distintos alias o colaboraciones. Con Michael Mantra,"Sonic Alter" (1994) y su versión revisada por Deepchord son grandes joyas, ya editó dos trabajos "Sonic Continuum"(1998) y "Radio Fore"(2003), que perseguían pasajes de ambient unidos a la tradición dub de producciones llenas de efectos ,texturas,ecos y reverberaciones pero con el ánimo de crear un espacio realmente alejado de toda consciencia y que de algún modo, me recuerda a la sensación acuática de un grupo como The Necks.

Las dos miradas a la música del disco "A/B" de Michael Mantra son, sin lugar a dudas, una maravillosa via de escape sonora. El inicio con "Aba" empieza de manera silenciosa y susurrante, con un loop hipnótico y que poco a poco va ganando presencia en el aspecto percusivo que es donde te agarra de la cabeza y ya no te suelta durante su media hora de duración, añadiendo efectos una y otra vez y haciendo que el viaje por los aromas jamaicanos no decaiga en ningún momento y atrapándote en una nebulosa que te remite imágenes placenteras dentro de tu cabeza, ya bien sean del fondo marino, de un amanecer,un anochecer,una noche estrellada, una pineda caleidoscópica,...lo que tu cerebro decida creae en ese momento debido a tan extraordinaria estimulación auditiva.

"Bab", es el negativo de "Aba" y empieza del mismo modo, sigilosa e hipnótica para ir adentrándote sin remisión en el mismo estado de trance de una manera dulce que se combina con ritmos alejados de la noche salvaje con su ritmo. Parece que estás continuamente navegando entre dos mundos: la realidad en la que se encuentran tus oidos y la completa desaparición errante de tu mente. No has podido huir, Modell es como Houdini. Un auténtico maestro de escapismo y tú bien que se lo agradeces.Pueden haber muchos otros trabajos que te ofrezcan una sensación parecida, sin ir más lejos el ambientado en Japón "Incense & Blacklight",también editado en 2007, donde recolecta los sonidos que grabó allí y los trata con igual maestría.

Pero esta obra, respira a otros niveles, en los de la auténtica y perfecta sensación de espolear tu mente en un estado de inconsiencia y rapto contínuo.Un viaje de los sentidos dentro de estos parajes sin duda no te vuelve a dejar igual, igual que le pasó a Modell al escuhar el disco de Mantra durante un viaje en tren de Michigan a Ontario en una noche donde se fundía la música con el sonido del tren. Obra maestra,que duda cabe.

Ossie Hibbert & the Revolutionaries : Earthquake Dub (1978,Joe Gibbs Music)


The Revolutionaries junto con el productor y teclista Ossie Hibbert no contentos con entregar algo tan magnífico como "Vital Dub Well Charged" (1976), abrieron de nuevo el tarro de las esencias y nos regalaron este sensacional "Earthquake Dub", un disco de dub que se nutría de una amplia paleta de sonidos donde podemos encontrar desde el saxo tenor de Tommy McCook, el maravilloso trabajo percusivo de Sly Dunbar y Count Sticky,los teclados de Ansell Collins o el trombón de Vin Gordon, todos ellos músicos de amplio historial dentro del sonido jamaicano de la época.

"Earthquake Dub" es un recorrido agradecido dentro de la música dub, tan lujoso en detalle y a la vez, respirando en esas líneas de bajo y reverberaciones mientras la percusión marca el paso y los vientos con sutileza dibujan nuevas formas. Grabado en los estudios Channel One, este disco consituye un bálsamo donde escaparse y dejarse envolver con la etérea "An Event" o "Fletchers Land" ,donde silbar con los ojos cerrados en "Collie in Dub", dejarse impresionar por ritmos que Liquid Liquid adoraran como "Pain Land Dub" o la titular.

Un Caramelo.

viernes, 29 de octubre de 2010

Gentle Annie by Carroll C Clark (1911)

Carroll C Clark, con sus escasas grabaciones, fue uno de los pioneros de del espiritismo blues.Maestro.

Junior Boys: So This is Goodbye (Domino ,2006)

El catálogo del sello Domino no deja de sumar referencias de culto para el universo “indie”. Sello donde conviven con Kieran Hebden (Tour Tet) y Dan Snaith (Manitota/ Caribou), este último también canadiense, artistas que sueñan con mutar la electrónica con diversas formas de pop y tanta amistad han ido cuajando durante estos años, hasta llegar a remezclas, producciones en el "Swim" de Caribou,etc

Así fue el debut de este duo de Ontario, “Last Exit” (2004), una certera dosis de pop electrónico, de corte melancólico y nocturno, que acabó siendo uno de los discos más celebrados de su año. Y por supuesto, referencia de culto a añadir a la terna de los Postal Service, Dntel, Notwist, etc. Aunque cada uno con su bagaje.

Llegados al delicado momento del segundo disco, “So This Is Goodbye” se muestra como una secuela más refinada y, como no, otra muestra de sentimiento pop envuelto en el crepitar de beats, clicks y sintetizadores.
Tomando referencias de la Human League, Prefab Sprout, The Blue Nile, Soft Cell o Japan (inevitable pensar en la voz de Greenspan obviando la de Sylvian) y sin olvidar la de Gibbard (Death Cab for Cutie / Postal Service) referencia temporal más cercana.

El disco, se divide al modo clásico de los vinilos. Dos caras. En la primera, están las canciones que pivotan más con el pop y los beats con aroma R&B. Desprendiendo sensualidad en “Double Shadow”, melancolía en “First Time” o “Count Souvenirs” (un guiño a Depeche Mode) y dos gemas de gran peso pop, “The Equaliser”(gran remezcla de Morgan Geist) y el magnífico single de adelanto In The Morning”, sin olvidarse de un poso house y convirtiéndolo en un magnífico hit de dormitorio “Girl, the night’s not over” y repitiendo “I’d do ya…(in the morning)”

Durante todo el disco, uno de los componentes que más destacan son las pausas, en las que suenan sintetizadores, ecos de voces, alguna guitarra flotante,… que dotan al disco de una dinámica perfecta.
La segunda parte del disco, empieza con la titular “So This is Goodbye” y te envuelve en los neones de la noche, la melancolía y el silencio. Un disco que pivota en los sentimientos de estar fuera de casa, de estar en la carretera, situación en la que se encontraron Greenspan y Didemus, después del recibimiento de su debut. “Like a Child”(tremendisima remezcla posterior de Carl Craig) y “Caught in a Wave” te susurran hasta dejarte flotando, preparándote para “When no One Cares” (guiño a Sinatra) extraordinaria canción pivotando en el ambient, con el mínimo sonido de un piano y la melancólica voz. Por eso la final “FM” supone un sentimiento de el querer volver a casa, al sentimiento de sentirte un turista. Lo cual no deja de recordarme ligeramente a “The District Sleeps Alone Tonite” de los Postal Service.

Y una vez llegados al final, el disco tiene un poder terrible. El replay. Donde cada detalle, se apodera de la escucha. No hay duda, de que este disco supone una nueva victoria para el duo de Ontario. “So This Is Goodbye” fue una magnífica reafirmación para los dos y han seguido creciendo.

Joanna Newsom - Ys (Drag City,2006)



Tras el debut con “The Milk-Eyed Mender”, era imposible imaginar que Joanna Newsom entregase este disco. Pero en Drag City tiraron la casa por la ventana. Su debut se convirtió en el más vendido del sello y decidieron contratar a Steve Albini para grabar la voz y su arpa. Van Dyke Parks encargado de los arreglos y en las mazclas Jim O’Rourke. Masterizado en Abbey Road.

Hasta aquí parece que ella no haya hecho nada. Es un gran error. Este disco representa una de las cumbres a un género y a una generación de músicos nacidos al amparo de la etiqueta “new weird america” creada por la revista Wire. En estas 5 canciones se encierra una obra cumbre. Su voz, tan particular, envuelve unas fábulas y unos intrincados y delicados movimientos de arpa que cuando necesitan ser apuntalados por momentos más melódicos la orquestación ideada por Van Dyke Parks los llena de lirismo, violines, cellos, banjo, viola, mandolina,…Todo para hilvanar un universo propio. Y contar con más de 30 músicos no supone una música opulenta. Todo aparece para que resplandezcan unas composiciones llenas de misterio y fantasía.

“Emily” supone el punto de partida a un disco que a cada escucha descubre un momento de rapto, como el final de esta pieza. Cuando la voz de Joanna se desvanece dando paso a la orquestación que hace crecer el efecto de devastación. “Sawdust & Diamonds” es la única pieza del disco que prescinde de la orquestación adicional a su voz y arpa. Y la magia sigue estando intacta. Y además de contar con la ayuda de su pareja por entonces, Bill Callahan (Smog), en “Only Skin”. Acompañándola en versos como “Take my bones, I don't need none” o “Come across the desert with no shoes on; I love you truly, or I love no-one”.Ahora igual no se pueden ni ver...

Y como cada canción de este disco parece que está diseñado al segundo. Cada elemento que aparece se hace necesario y fugaz en el mismo instante que suena. Y llegado el final, te atrapa dentro de “Cosmia donde cada vez que los músicos ayudan a levitar sus versos, consiguen envolverte en una burbuja melódica impecable.

Y al final del disco solo quedan impresiones, fragmentos clavados ardiendo en la mente, solo prometiéndote una nueva escucha, y así hasta el infinito. Lugar a donde nos manda Joanna Newsom. Uno de los discos clave del nuevo signo de los tiempos.

Mercury Rev : Yerself is Steam (Rough Trade,1991)


El debut de Mercury Rev solo puede considerarse dentro de las experiencias cósmicas. El disco donde Jonathan Donahue, Dave Friddmann (ambos colaboradores de Flaming Lips, y este último productor respetado desde los 90), Grasshopper, Jimmy Chambers, Suzanne Torpe y David Baker supieron crear un lugar donde expandir la mente a base de psicodelia y ruido. Todo en 50 minutos.

La banda de Buffalo (Nueva York), encontró el respaldo en el Reino Unido, el mismo año que se publicaron discos tan expansivos como “Loveless” (My Bloody Valentine) o “Screamadelica” (Primal Scream). Radiaciones que se nutrían de una libertad absoluta. Y todo cuidado minuciosamente, al detalle. Pese a poder contener múltiples referentes, este es uno de los discos clave dentro de los 90. Un viaje que empieza con la voz de Baker flotando en el espacio y da paso al torrente eléctrico de Donahue y Grasshopper y con la deliciosa melodía de la flauta poniendo paz ante las embestidas.

Las alucinaciones a toda pastilla en “Syringe Mouth” y “Coney Island Cyclone” dan paso al primer momento de calma en el viaje con la delicadamente sideral “Black and Blue” donde todo tipo de ruidos, guitarras surgidas de otros universos, el piano y la percusión apareciendo furtivamente recrean una maravillosa pieza digna de psicodelia fantasmal de los 60. Remanso que repetirian en la no menos deliciosa “Frit Tering”.

Pero las jams envueltas de locura, ruido y sensación de libertad se encuentran en “Sweet Oddysee of a Cancer Cell T' Th' Center of Yer Heart”, con un las guitarras en tensión contínua, o “Very Sleepy Rivers”, con las voces recreando la sensación de pérdida de cordura a todos los niveles.

Yerself is Steam” sirvió de punto de partida para un grupo alucinado e imaginativo, que siguió por dicha senda en “Boces”, pero que tras la huida de Baker empezó a recostarse en distintos parajes, que si bien en “Deserter’s Songs” suponían una brillante madurez, ninguna de sus siguientes entregas supo alcanzar tales logros.

"Boces" fue la culminación a una de las más adictivas chaladuras.

Neutral Milk Hotel - In The Aeroplane Over the Sea (Merge,1998)


Fabuloso. De entrada, es la palabra idónea para hablar de este disco. El canto de cisne a las aventuras de Jeff Mangum, que después de este disco decidió guardar silenciode una manera que bien se puede entender como acertada o cruel para sus fans,según se mire. Por el contrario, uno de sus compañeros Jeremy Barnes sigue en A Hawk and a Hacksaw y en Beirut. Ese silencio, la reedición del disco y la cobertura de determinados medios hizo disparar de nuevo el efecto de este maravilloso disco. En los últimos dos años han vendido 50.000 copias. ¿Cuáles son las claves de todo este misterio?,¿Será su magnífica portada?

Solo necesitas 5 minutos para descubrirlo. Es el tiempo en que transcurren las tres partes de “King of Carrot Flowers”. De un inicio acústico, pasando a una parte espiritual donde las trompetas finales te llevan a un revolcón eléctrico frenético. Letras alucinadas que remiten a su pertenencia al colectivo Elephant 6, donde habitaban Olivia Tremor Control o Apples in Stereo

Por otro lado, Scott Spillane y Julian Koster se encargan de dar vida al aire contagioso de todas las composiciones a base de arreglos de trompeta, saxofón, trombones e incluso gaitas, como queda patente además en piezas instrumentales como “Fool” o el corte décimo sin título. Una de las piezas clave en este rompecabezas son las dos partes de “Two-Headed Boy”, donde solo el nervio de la voz y la guitarra guían su imaginación en unos versos llenos de emoción. Palpitando como el final de “Oh Comely”.

Se llegó a hablar de su música como fuzz-folk. “Ghost” o“Holland, 1945” no se alejaría de tal término. Último título que hace referencia a Anna Frank. Historia que influyó a Jeff Mangum para alumbrar este disco. También aparece en la maravillosa canción que da título a este disco, un disco ideal para amantes de bandas como The Decemberists, Clem Snide, Flaming Lips o simplemente amantes del pop con letras mayúsculas. Tanto musical como líricamente.

jueves, 28 de octubre de 2010

Games: That We Can Play Ep (Hippos in Tanks,2010)


Lopatin y Ford siguen en la senda del reconocimiento dentro del mundo pop, después de consagrarse el primero dentro de los círculos más underground con su proyecto Oneohtrix Point Never y su regusto por la experimentación con los sonidos de los sintetizadores y las estampas de electrónica progresiva de procedencia germana en los 70. Bajo el nombre de Games, el asunto es distinto. Y es ponerse "jugetón" con su compinche,miembro de Tigercity, para sacar adelante un sello como Hippos in Tanks,donde aparecen gente como los cold wave Von Haze y el colorista D'Eon, para jugar a mutar el sonido hauntológico y de ciencia ficción retrofuturista mediante la manipulación de canciones ochenteras cambíándoles el pitch y remodelando las voces en la línea del post dubstep para ofrecer algo cercano a Sylvian con Sakamoto (o Japan) o el art pop de aquella época unido con toques electro como en la inaugural "Strawberry Skies", donde también caben sonidos que remiten a islas paradisiacas."Midi Drift" sigue en la estela luminosa con sus sintes y voces chisporroteantes, "Planet Party" me recuerda a la anterior "Heartlands" pero con un sonido synth funk que ahora a uno no le suena tan petardo,pero que en otro tiempo igual hubiera sido digno de horca y mucho más m80 es "Shadows in Bloom" una especie de pesadilla de Anthony junto a Hercules & Love Affair. Todo esto,que debería hacer salir corriendo al más pintado con su reconstrucción,loops y samplers acaba siendo una oda de synth pop reconstruída a lo Ferràn Adrià.Ace of Base metiéndose con Weatherall.

La fiesta sigue con dos remixes ,uno a cargode los propios Games y otra de Gatekeeper,otro de las ligas synthpop. "Aun tenemos tiempo de tomarnos otra,ahora que sale el sol", parece el lema de la música de Games. Pero resulta agradable y adictiva. Tal vez, Daft Punk hubieran llegado a esto algún día,cuando se hubieran vuelto artys o fichado a Dâm -Funk. Por ahora,mejor que nos lo cuenten ellos. Parece que la chillwave se acabará cuando saquen su debut en larga duración.Admito apuestas.

Elliott Smith - Waltz #2 (XO)

Tal vez,seamos capaces de respirar en las canciones de una persona que se ahogaba en ellas.

Gene Rains: Lotus Land (1960,Decca)


La música exótica como modo de escape puede ser un lugar fascinante. Gene Rains, es un vibrafonista hawaiiano que editó cuatro discos de sonoridades exóticas, qye a día de hoy, sigue resultando fascinante. Debo reconocer que gente como él, Lyman,Ahbez o Denny ,por citar algunos maestros del género dentro de una época donde en Estados Unidos existía una gran fascinación por este imaginario exótico, al igual que relataba con Cugat hace ya unas entradas, sabe transformar el jazz de aire cool en un retiro espiritual y cálidamente astral donde dejarnos reposar.

Este es un disco dulce,amable y paisajístic, donde la temperatura media siempre son 25 grados, ya sea noche o día y donde imaginar es casi obligatorio. Exotismo y hedonismo de la mano,simplemente hay que dejarse mecer y acurrucarse.Palabra ,que he soñado con gansos nene sobrevolando el horizonte con este disco.


Califone : Roots & Crowns (2006)


Recuerdo con gran clairdad este maravilloso disco de Tim Rutili a lo mandos de sus Califone. Hasta ese momento cada disco supuso un paso de gigante, 9 discos en 8 años, dentro de este rock desértico, folk y experimental, después de su anterior aventura como Red Red Meat, junto a su inseparable Ben Massarella y el productor Brian Deck. Una trayectoria que a partir del disco “Roomsound” y giras con Wilco, Sea and Cake o Modest Mouse fue labrando su camino.

Encarando el proceso de este disco conuna mudanza a Los Angeles junto a la producción de un disco de Freakwater y participaciones en una película de terror (The Lost), por fin consigue aunar todos los logros conseguidos en sus anteriores trabajos. Después de unos años de elevada producción discográfica, este pequeño parón ha llevado a grabar el disco en distintos lugares, desde Octubre de 2005 en Chicago, pasando por Long Beach y Phoenix con Michal Krassner y en su casa de Los Angeles hasta mayo de 2006, grabando en su teléfono móvil conversaciones, grabaciones de campo, silbidos de melodías convertidas en loops que aparecen durante el disco.

Así durante este proceso, se podría decir que vuelve a “Quicksand/Cradlesnakes” (2003) con el bagaje de “Heron King Blves” (2005), dos discos a revisitar absolutamente. Lo primero que llama la atención en este disco, es la presencia de una versión de Psychic TVThe Orchids”, donde la impagable frase “In the morning after the night/ I fall in love with the light” repetida por la voz de Rutili, cruce entre David Sylvain y Richard Youngs no se despega de tu cabeza, calando de manera impensable.

El inicio del disco con “Pink and Sour” con ese trotar de blues cavernoso a lo Waits (along your skin lost my language / black lip and red carnation), te deja sin respiro, pero la siguiente “Spider's House”, construida con el sonido del piano, meciendo su voz ante la aparición de las trompetas, con un aire nocturno y envuelto en un tejido de sonidos que la convierten en uno de los momentos mágicos del disco: “raindrops tremble and wait to freeze on spiders house”.

La riqueza instrumental del disco unido a la versatilidad para agarrarse, ya sea al folk más espectral en “The Eye You Lost On The Crusades” o “Burned by The Christians” donde el violín se incrusta en la melodía recordando a Dirty Three y te proyecta a imágenes del desierto de Arizona; el folk arrastrado de “Sunday Noises”( my blood california/ if we ever get to home/ plant myself among the weeds and pray ) o “3 Legged Animals” (leave your memories, we’re almost new), otra canción de una pureza digna de enmarcar, donde los loops ensucian pertinentemente una bella melodía de violín.

Canciones con regusto a blues, entonado en falsete, como “Rose Petal Ear” y delicado en “Our Kitten Sees Ghosts”, no se olvida de recurrir a elementos funk en “Black Metal Valentine” (que recuerda a la canción “2 sisters drunk on each other” del anterior Heron King Blves) o agarrado al rock de la caverna en “A Chinese Actor”. La final “If You Would”, mecida por el piano y meticulosamente arreglada por ruidos diversos y el violín, que con sus punteos da cierre a este recorrido de 50 minutos,despidiéndose con la frase “winter bed could do so much if you would”.Fascinante.

Ekkehard Ehlers : A Life Without Fear (Staubgold,2006)



Tras unos años curtiéndose una reputación en la música menos conformista, en solitario o en otros proyectos como Autopoieses o März (el disco de März “win sind hier” es una joya de pop absoluta), el alemán, de Frankfurt, Ekkehard Ehlers consigue por fin articular un trabajo con la capacidad de llegar a un gran espectro de oyentes, desde a los inconformistas electrónicos, a los amantes del nuevo folk o incluso a los amantes del blues. “A Life Without Fear” es un disco que sabe dar un enfoque digital a músicas tan pretéritas, sin sonar a simple revisión. La cultura estadounidense vista desde los ojos de un alemán.

Después de una serie de ep’s, en los que reconstruía a Albert Ayler, Robert Jonson, John Cassavetes o a Cornelius Cardew (reunidos en el recopilatorio tremendo“Plays” de 2002) pivotando en la electrónica, el inicio con la versión tradicional de “Ain’t No Grave” marca un nuevo territorio para su música, donde una voz que rezuma calidez soul se pasea por un blues digital invocando los iconos clásicos del género, la muerte, Jesús, la Biblia, el diablo, tumbas…temática presente en todo el disco, si bien la portada ya daba ideas de ello. Territorio en el que siguen abonadas composiciones como “Strange Things” o en “O Death” que se nutren de las voces del bluesmen Charles heffer Jr y Ralph Stanley, respectivamente.

El puzzle como arte, digital en este caso, tomando en “Misorodzi” cantos africanos en la lengua Shona y el sonido del balafon, la electricidad de “A Second Fire” unida al aire del jazz, como no, enmarañada en una nube de efectos. Nube, en la que se adornan los punteos de folk de “Meeresbeschimfung”.

El jazz, sigue presente en el disco, desde un poso sentimental de café-bar, en Die Sorge Geht Über Den Fluss" melodía de blues-jazz digna de robar el corazón a un fan de Chet Baker. Con “Nie Wieder Schnell Sagen’s”, la armónica destila una melodía desértica que emparenta con imágnes de western y de viejos mercancías. Y de alguna manera, la unión de todo esto se encuentra en “Maria & Martha”.

Todo termina en explícitamente en “The End”, cuatro segundos de silencio, después del versátil e inteligente recorrido propuesto por este alemán, bien secundado en el disco por Reinhold Friedl (piano), Franz Hautzinger (trompeta) y Joseph Suchy (guitarra y balafon), (con estos dos comparte protagonismo en “Soundchambers”, otra gran referencia de Staubgold), que sigue dotando a su discografía de una variedad al alcance de pocos y que muchos, seguimos con atención.

martes, 26 de octubre de 2010

James McNew: That Skinny Motherfucker With the High Voice? (Shrimper,2001)


James McNew, es fácilmente reconocible por su trabajo al bajo en Yo La Tengo, pero en solitario tiene algunos discos de lo más apañados y como no, entrañables. Hay algo en el aire que respiran estos señores de Hoboken que les hace ser entrañables e irresistibles. Este disco, además se enmarca en la cima de refinamiento de Yo La Tengo, el año que publicaron "And The Nothing Turned Itself Inside-Out", que independientemente de la apreciación si es su mejor disco o no, se ha demostrado que fue el momento donde consiguieron refinar su sonido de la manera más definitiva y desde entonces, no han podido entregar otro disco esencial pese a mantener el tipo de sobra en sus distintas entregas. Aunque hubo una versión inicial en formato cinta en 1998, con la mitad de los temas en formato cassette.

James McNew, también entregó su disco más refinado dentro del destartalado mundo de Dump, con regusto en sus anteriores y deliciosos "I Can Hear Music"(1995,año de "Electro-Pura") y "A Plea of Tenderness"(1997,año de "I Can Hear the Heart...), donde jugaba con composiciones propias y variadas dentro de los discos, hijos de un sonido de bajo presupuesto pero de alto entretenimiento. Pero el remate lo puso con este disco de versiones de Prince, repasando en distintas claves canciones del innombrable artista de funk. Ya el título, es una auténtica parodia acerca del nombre de Prince.

El disco, desde el inicio exhibe una mayor contención de ideas y un mayor refinamiento, que le hace estar especialmente acertado durante todo el disco, regando con su voz un halo de ternura y la sensación de experimento entrañable fuera de toda duda.Pero, estos adjetivos no son dichos con ánimo lastimero. Están orientados a la admiración que provoca este material cada vez que lo escucho.Porque se puede perseguir a Daniel Johnston. Pero jugártela con "1999", canción del disco homónimo del 82 y hit clásico, remodelándola a un maratón neo psicodélico donde juegas en una liga cercana a la Beta Band u Olivia Tremor Control,al aire casi Lou Barlow en "Raspberry Beret", esta de un disco de Prince junto a The Revolution de 1985,con baterias distorsionadas y teclados psicodélicos y el aire chulesco Bo Diddley meets Cramps en la tremenda "Erotic City",cara B tremenda de Prince en versión extendida.
El toque dulce se mantiene en "Pop Life, "The Beautiful Ones","When You Were Mine",...pero es con "A love Bizarre","Dirty Mind" y "Girls+Boys" con las que le mete una producción de experimentación casera y electrónica que puntua muy alto.En resumen, un disco sin complejos y muy recomendable.

69: aka Carl Craig: 4 Jazz Funk Classics(1991)/Sound on Sound(1993)/Lite Music(1995) -PLanet E



Que Carl Craig sea uno de los dioses del Olimpo no es un mérito gratuito. Bajo su nombre, sus sesiones, sus remezclas, sus diferentes proyectos y alias, como Paperclip People o en esta ocasión, como 69.

Durante 1991 hasta 1995, lanzó una serie de ep's gloriosos y la verdad, que a día de hoy recuperar estas aventuras del señor C2, sigue siendo aún una maraviila. Todos ellos fueron recopilados en "The Sound of Music"(1995), cuya reedición generosa el año pasado fue bajo el nombre "The Legendary Adventures of a Filter King".

Este material de Planet E,sello referencial del techno de detroit ,fundado por Carl Craig me trae buenos recuerdos y comparto opinión con alguien que comentaba que la música actual ha perdido algo de ese sentido feroz y agresivo dentro de la música de baile. Después, en 1997, llegó "More Songs About Food and Revolutionary Art", una de las piezas angulares en formato LP del señor Craig y uno de los discos históricos dentro de la música electrónica. Pero "Ladies & Gentlemen"sigue siendo puro éxtasis y delirio,"Frequency Finale" puro delirio cercano al espíritu del post punk y el ácido, "Rushed" recuerda al trance de medianoche de KLF, "Sound on Sound" a lo vintage y espacial y "Microlovr" sigue siendo pura vanguardia electrónica, jodida y abstracta pero de todos inseparable.

Carl Craig, es un genio.Por si alguien tenía dudas,lo sigue siendo.

Lee Noble: Loaded Image (bumtapes,2010)


Hay una generación que evolucionó de la psicodelia folk hacia la experimentación casera y la manipulación de sonidos, cosa que sin ser novedosa, se ha extendido en una generación de músicos principalmente estadounidenses que han encontrado en, por aunar en una etiqueta, la "hauntologia" y recuperando el formato cassette como fetiche sonoro.Ediciones limitadas y artistas bastante prolíficos en cuanto a la cantidad de material grabado. En el fondo, me recuerda a lo prolífico de la escena de los años sesenta con la psicodelia y el garage.

La diferencia, es que en una época de recesión igual es más difícil encontrar sonoridades tan "flower power" dentro de una escena oscura por lo pequeño de su difusión y la frustración de nuestros días. Lee Noble con "Loaded Image" es una de sus varias entregas este año, todas en formato limitado y en cassette. La verdad, es que quedé fascinado con el inicio de "Monument to Hesitation" que me recordaba a Lloyd Miller y su "Oriental Jazz"(disco y sesiones editadas que nadie debería dejar escapar). Después, poco a poco me fue cautivando con esta mezcla de pesadumbre de Matt Elliott, con la memorabilia de lo fantasmagórico del primer Caretaker, pero que me hacen entrar en un trance similar al que en su momento tendría la psicodelia californiana. Es el tratar de imaginar el pasado que no vivimos, mezclar los pensamientos vagos con las pesadillas y el imaginario personal.

Si hay una declaración de intenciones en este disco, está en el título de la bella y delicada: "Our Revolution is Boring". Quizás tengan razón y a mucha gente aburra soberanamente esta música que se pierde en imágenes mentales y abstracciones variadas. Pero,esta escena, se quiera o no, ya forma parte de la historia de la música. Algunos nos sentimos recompensados.

The XX: VCR (Four Tet Remix)




Debo reconocer una especial fijación con el señor Hebden. Siempre me ha gustado el tono soul de sus baterías o afro beat si se quiere mirar, el detallismo que ha incorporado en la última época y en especial este año el excelente trabajo realizado con "There is Love in You". Además, de sus distintas remezclas este año, la última es para la gran sensación pop de la pasada temporada,los jóvenes XX.

"VCR" según Four Tet, es un cruce de caminos entre "Love Cry",perteneciente a su disco anteriormente mencionado y un poco,digamos Ewan Pearson por el regusto pop y de cierto punto de odisea como "Ride a White Horse" de Goldfrapp. En el fondo, es una remezcla que no mira a la pista de baile, ya que es una canción templada y taciturna,pero que ayuda a hacer compañía agradable y a seguir amplificando los logros conseguidos este año en cuanto a la evolución de su sonido. Recomendable escucha.

domingo, 24 de octubre de 2010

Bobby Beausoleil : Lucifer Rising (1980)


Hay veces en que la realidad supera a la ficción y si no,solo hay que pegarle un vistazo a la vida de Bobby Beausoleil. Pero antes me gustaría hablar de la música de esta banda sonora para un film de Kenneth Anger, que servía de secuela al clásico cortometraje de la época "Scorpio Rising". Fue una época donde Beausoleil tuvo de compañero de piso al propio Anger, en San Francisco justo arriba de la embajada rusa, donde comenzaron a tener una complicada vida personal y profesional. Anger, un devoto confeso del oscurantismo se quedó prendado de Bobby y le ofrecía regalos y aparecer en esta película.Pero esta tormentosa relación acabó en una disputa, con Beausoleil pirándose de la casa de Anger en su furgoneta en una persecución que acabó con Beausoleil estrellado delante de el Spahn Ranch, horrorífica guarida del clan Manson. Arrgg, y la mala suerte siguió cebándose con él. Se integró en dicha comunidad de tarados y acabó comentiendo un atroz asesinato a Gary Hinman en 1967. Parte de la historia puede ser así, otra puede ser inventada, pero el asesinato le pesa en una sentencia de cadena perpetua.

Antes de su llegada a San Francisco al mundo de la psicodelia y la experimentación lisérgica,compartió en los Angeles con Arthur Lee banda como los efímeros Grass Roots que acabaron siendo luego Love, aunque pronto se mudóa San Francisco y formo una banda como The Orkustra con David Laflamme entre otros, donde quería formar una orquesta electrificada y empezaron a unirse a tocar con Jefferson Airplane o Buffalo Springfield. Y durante la actuación en "The Invisible Circus", fue donde Anger lo conoció y entró en desgracia continua. Orkustra se acabó, als er encarcelado uno de sus miembros por tráfico de marihuana y formó The Magick Powerhouse of Oz, donde iba dando forma al material de este Lucifer Rising. Una vez todas las fatalidades se sucedieron, fue condenado a muerte pero se salvó cuando conmutaron la pena capital en San Francisco. Y ya en la carcel, y sabiendo que Anger retomaba el film, formó una banda "The Freedom Orchestra" con la que finalizaría la grabación.

El resultado es irreal y es una magnífica acompañante en estos días donde el drone y la psicodelia ensoñadora, el folk de aires free/freak, nos ha estado acompañando y cogiendole el gusto a este tipo de música esotérica. Me recuerda un poco a "Zabriskie Point", donde colaboraron Antonioni y Pink Floyd en la elaboración de la banda sonora.Misticismo electrónico y sintetizadores, juguetean con las reverberaciones de los ritmos y el delicado tejido que hilvana Beausoleil a la guitarra, con un tono de space rock en algunos momentos y otros más ensoñaodres.

Reediciones posteriores incluyen una buena cantidad de material de todas estas sesiones de Beausoleil como músico con la Orkustra o The Magick Powerhouse of Oz, todas ellas psicodélicas pero muy rescatables y la verdad, bastante bien han aguantado el tiempo. Esta banda sonora, de todos modos es una delicia, aunque el personaje da para mucho. Y entre medias de todo aquello, Anger le dedicó otra de sus películas "Invocation of my Demon Brother". Que jodida te deja la cabeza el LSD...

sábado, 23 de octubre de 2010

Reagenz : Playtime (Workshop,2009)


Una curiosa y sorprendente historia, no por ser más contada, va dejar de serlo. Jonas Sharp y David Moufang, debutan en 1994 con un disco homónimo después de coincidir en un concierto de Autechre en San Francisco y, supongo que por su conexión al sello Fax, Jonas Sharp publicó como Alien Community y David Moufang bajo su nombre propio y después como Move D, entre otros alias que ha tenido el bueno de David.
Después de trece años se reencuentran en Tokio y de nuevo en un show de Autechre. Y estaba claro, deciden crear un nuevo disco y deciden refugiarse un par de dias en un estudio de grabación de un japonés apasionado del coleccionismo de sintetizadores. Pero esta vez con toda la experiencia y todas las referencias que llevan a sus espaldas, sesiones y visión del mundo de la electrónica desde un primas más maduro.

"Playtime" se grabó entre San Francisco y Alemania durante 2008 y el año pasado cuando llegó a mis manos fue una maravillosa revelación. Un disco donde sencillamente se destila una sutileza que roza lo sublime, desde el inicio con "Dinner With Q", con un bajo funky acompañado de una leve melodía de guitarra acústica que podría atufar a chill, y eso es algo que siempre se dice para mal, pero están inspirados y dibujan paisajes sonoros donde el ritmo y los efectos de los distintos sintetizadores del estudio japonés, que hace pensar casi en Lindstrom. Pero ya te enganchan a ritmo de house con "Dj Friendly Rmx", en un disco que no se distingue precisamente por lo bailable de su propuesta ,que solo vuelve a repetirse en la tremendamente deep para amantes de Omar S o Moodyman como es la fenomenal "Keep Building". Pero el rasgo fundamental es lo disfrutable que supone escuchar un disco con una sensación tan mística fomentada por la cantidad de pequeños efectos y melodías que aparecen sutilmente y se desvanecen aleatoria y caprichosamente, como es el caso de "Shibuya Day" o el jamaicanismo de "Freerotation". Lo más cercano a ser fans de Autechre se puede rastrear en "Confidence" .

Pero este "Playtime" cierra con toda una oda ambient de casi veinticinco minutos como es "Du Bist Hier!", para terminar de confirmar la sensación de experiencia aural dulce ,pero que engaña. Este disco, tiene una carga de experimentación con distintos sonidos vintage que podía equipararse a su carga house,por lo que no estamos ante una simple exposición de hedonismo con ritmos sobrados de caramelo y bajos musculosos. Aquí , hay más cera de la que arde. Aquí, hay un señor disco de electrónica experimental. Eso si, mas disfrutable de corazón que de cerebro.

Pine Smoke Lodge - El Ahrairah (Sweat Lodge Guru,2010)


Pine Smoke Ledge son un duo de Maine formado por Matt McKeever y Hillary Dickerson, que se dedican a crear ensoñadoras y turbadoras estampas para las noches en duermevela con sus drones y sonidos que te acercan al brillo de las estrellas o al surf de marmol de James Ferraro. Estoy hablando de una música que aunque experimental,basada en el ruido y en la inconsciencia inducida a partir de la repetición, es una música liberada de agresividad. No se puede decir que sea lounge,pero si que se puede acercar al concepto de pureza de "Loveless" o "Endless Summer". Como unos Yellow Swans sin entrar en el ruido. Pero con el símil de música encantada.Esto es evidente en "Evenk Tent" ,una deliciosa excursión de veintidos minutos levitando."The Children and the Child", es otra delicia que nos acerca a unos Ducktails pero más cercanos a Matrix Metals o incluso a los primeros discos de Astral Social Club.

La segunda cara de esta cinta, de edición limitada a 100 copias como casi todo su catálogo de referencias,se acerca más a la oscuridad y a la madrugada cerrada. "Eternal Ground Imagery", te acerca a lo fantasmagórico e intrigante del camino del aserradero de Twin Peaks. Que por cierto, creo que es un mal de muchos de los que escribimos y hemos nacido en los ochenta, que la imagen de Twin Peaks nos asalta siempre cuando hablamos de intriga que fue la primera experiencia que muchos tuvimos con ese género dentro del inicio de nuestra pubertad. Quizás podría decir, que igual también podría valer para el infierno de Shuji Terayama en "Pastoral to Die in the Country (1974) o el blanco y negro de Guy Maddin en Brand Upon the Brain!
El final tribal de "munkh khukh tengri"y casi tibetano me reafirma en Terayama y en el bosque del diablo.Si es que en Maine,hay alguno Portland)

En resumen,música para perderse entre la dulzura de percusiones y cascabeles pero donde hay una cara donde podemos acariciar el cielo y en el otro lado, la maleza espera escondida sin avisar cuando va a dejar notar su presencia.
Grupo a seguir sin duda alguna.

Modula Green: Shellground (Fax +49-69/450464 / 1995)


Hace poco estuve rescatando material de Pete Namlook y de su sello Fax, entre el material que fui descubriendo dentro del sello, y aún lo que me queda por escuchar, una de las referencias que más me sorprendieron fue Modula Green. Integrado por Mark Pfurtscheller y Peter Prochir, este fue el único lp que pusieron en el mercado y como documento de dicho encuentro es una auténtica odisea de música electrónica de corte psicodélico, ambiental, con trazas industriales a veces y con barrabasadas tan grandes como "The Orchid Trap" que está cercano de Demdike Stare, Focus Group y The Caretaker al mismo tiempo. Los referentes hauntologicos,vamos.

Desde un punto de vista práctico, calificar a este "Shellground" como ambient, me parecería muy limitado. Porque en el fondo, la apertura de "Evening Cloud" podría definirse como deep house. Al gusto de Theo Parrish por supuesto, pero no está lejos de cierto paisajismo en sus loops de piano que,inevitablemente,te distancia de la realidad y para cuando te das cuenta has empezado la montaña rusa de este sensacional disco.Aunque, debo reconocer, siempre se me plantean dudas al repescar material antiguo cuando no soy muy permeable a escuchar de nuevo determinados ritmos o rpoducciones típicas de una época. Eso me pasa muchas veces con la electrónica de los noventa. Pero, aquí estamos ante un disco distinto, que ahora mismo con una pieza como "Green Lava" se estaría acercando a Black Meteoric Star e incluso al minimalismo de la electrónica progresiva de Klaus Schulze o Manuel Gottsching. Pero más oscuro, hay una maleza detrás de cada trazo sonoro que es difícil de explicar.Para cuando te das cuenta, "Shellground" te pone la puntilla embelesándote sin remisión. Un descubrimiento sorprendente. Como alguna otra referencia ineludible del sello Fax (Pete Namlook & Hawtin, o su buen amigo David Moufang aka Move D, entre mucha crema)

Pete Namlook apadrinando es garantía de éxito, debería ser una máxima en la música electrónica.

Leila : Courtesy of Choice (XL,2000)


Leila Arab y "Courtsey of Choice", venían precedidos por el maravilloso debut "Like Weather" y el ep "Sodastream" y la verdad, es que no había por aquella época manera posible de etiquetarla. Downtempo,trip hop,post pop¿?,...hasta lo-fi pude llegar a leer. También se asumió que su obra era menor a la de gente como Tricky y Bjork por extensión, parecía que la falta de ampulosidad de su propuesta en aquellos momentos donde se perdía el culo por las lujosas producciones de Radiohead,Spiritualized,Mercury Rev o Flaming Lips en la prensa indie, hacía insuficiente sus discos. O el abigarramiento del post rock con gente como Godspeed You Black Emperor o Mogwai. (Este año 2000, también quedó perdida otra oda ambiental como el disco de The For Carnation).

Esta es una invitación a todos los que ahora sienten interés por los grupos de pop electrónico de nueva cosecha. Este disco puede contentar a gente que escucha dubstep,chillwave o la nueva etiqueta de la semana que viene. Sobrevive a todos,porque en el fondo hay cierto punto irreal y psicodélico que enlaza con todos. Y canciones. El inicio, casi marcial y enrarecido de "Brave", ya es un toque, el dub house de "Words" te pone en la senda, el delirio psicodélico se traslada a "From Before What..." o a piezas casi industriales mezcladas con el dub en "Gush Goog", el jazz psicodélico de "Thanks Mr Jones", el folk espacial de "To Tell a Lie" o "I Want Forget Her", la nocturna y misteriosa "Different Times" que casi me recuerda a proyectos de aquella época de Leyland Kirby o como Caretaker de aquel "Selected Memories from The Haunted Ballroom".

Para el final del disco, nos espera con la cinematográfica "Young Ones" que casaría en el repertorio de Pram,Broadcast o Plone sin lugar a dudas. Descontando como momento dulce de Plaid en "Not For Threes"(1997). Pero reservo para el final a "Sodastream" y "To Win Her Love", alucinantes como poco y parte fundamental del pop de la pasada década, especialmente la última con Luca Santucci elevándose al cielo.

El disco de Darkstar,"North", hablando esta mañana con un buen amigo la verdad es que no va conmigo.Me parece algo cercano a M83 (y eso para mi significa aburrimiento y pastiche) y lejano a esta maravilla de pop. Se puede ser malvado, arrodillarse,suplicar y alucinar sin causar ningún revuelo. "Courtesy of Choice" es un disco que dice mucho más al seguidor del pop como arte perversible que no el de Darkstar, que de resaca va bien por meloso,pero hay mucho cartón detrás.Ah, y de "Like Weather" ya hablaremos otro día.Ahora que parece que todos sabemos ponerle nombre y etiqueta a Leila, cuando simplemente es maestría.

Lambchop: What Another Man Spills (Merge,1998)


El cuarto disco de Lambchop con el paso de los años,se ha demostrado que fue el germen de las dos obras maestras por excelencia de Lambchop como son "Is a Woman" (2002) y , especialmente para mi, "Nixon"(2000). "What Another Man Spills" ya va encaminando la evolución en el sonido y la producción de toda la belleza de "How I Quit Smoking", mantiene su folk reposado y le añade el giro del soul. El amor a Curtis Mayfield, es algo evidente. Y aquí, empezó a seguirle con la mirada y se atrevió a versionar su "Give me Your Love" y saber jugar en el terreno de juego de Curtis. Supongo que eso le debió dar alas, para lo que ha supuesto el futuro del grupo. Cada disco que iban editando hacía crecer su amor hacia ellos, casi como en aquella época sucedía lo mismo con Yo La Tengo.

Curiosamente hay muchos puntos en común en esta época con la banda de Hoboken y en este disco Kurt Wagner les hacía un guiño con la deliciosa versión de "It's Not Alright" compuesta por James McNew (bajista de Yo La Tengo) como Dump en su disco "I Can Hear Music" (1995) y posteriormente llegaron a sacar un single compartido en 1999(donde ya aparecía "Up with People"). La última versión es la de "I've Been Lonely for so Long" de Frederick Knights , donde aprieta su falsetto para ajustarse a un clásico de la Stax.

Pero, si bien estas versiones de Frederick Knight y de Curtis Mayfield, explican la exhuberancia de un disco posterior como "Nixon" y también composiciones propias como "Scamper" o "Interrupted"(me recuerda mucho al inicio con "The Daily Growl" de "Nixon") . Pero el tono otoñal del disco de composiciones como "The Saturday Option", "Shucks" o "N.O." apuntan hacia "Is A Woman" (2002). El final del disco por lo desenfedado,apunta directamente al doble "Aw Cmon" y "No You Cmon"(2004). Aunque obviamente, aún no lo sabían y en su momento, una canción como "King of Nothing Ever" podía seguir con un sonido como "Your Fucking Sunny Day", pero fue en esos discos donde siguieron paseando la vena instrumental y la vena, casi Sgt Peppers de "The Theme From Neil Miller" no se repitió hasta el 2004.

Este disco, quizás no aparezca reflejado,normalmente,en la prensa especializada como obra maestra de Lambchop. Completamente erróneo, es el disco que les cambió, parece como si Lambchop solo exitieran en 1994 y hasta el 2000, con "Nixon" ya no hubiera nada. Y eso, es un error.Perderse clases magistrales de Kurt Wagner y sus aliados nunca es inteligente.

Cupid Car Club M.P: 4 Song ep aka "Join Our Club/Werewolves" (Kill Rock Stars,1993)


Después de poner punto final a Nation of Ulysses con el album "Plays Pretty for Baby"(1992) y antes de formar Make Up,Ian Svenonius,James Canty y Steve Gamboa decidieron juntarse con otra alma gemela como la de Kim Thompson (The Delta 72) para engendrar el punto intermedio entre el pasado y el futuro que les caracterizó en sus bandas. Cuatro canciones de majadería punk, donde me recuerdan mucho a Brainiac y por supuesto, a toda la maleza de la escena de Washington. Y siempre, la voz de Svenonius derramando ese toque soulful desquiciado y agresivo,el sabor blues de "Vapor Rub Club" y la cercana a Fall cerrando el ep como es "Grape Juice Plus".

Formación transitoria que dejó un ep inolvidable y a repescar los días de bilis y rosas.

Greatest Hits: Danse Pop (Olde Spelling Bee,2010)


El sello Olde Spelling English, este año se ha empeñado en sacar nuevos grupos de electro pop bizarro con un corte de bajo presupuesto, como es el caso del duo Greastest Hits. Después de la oda emocional y romanticona en vena de Autre Ne Veut, es el turno para el pop funk sintetizado del debut de cuatro canciones de Greatest Hits, que se esfuman desde el momento que lo pones y te recuerdan tantas referencias a otros grupos que en el fondo, hay que olvidarse un poco de toda esa saturación que contexualiza tanto a la música y parece que intenta enconrsetarla con tantas descripciones. A mi gusto, es un ep para no darle muchas vueltas y dejarse llevar por el envenenamiento despreocupado que desprenden estas canciones. Pero si alguien necesita alguna indicación que mire por el lado de Ceo (Tough Alliance),Of Montreal,Cold Cave,CSLSX,...

Aquí podeis escucharlas y haceros una idea:

Canciones para pubs indies y la medianoche etílica. Noche que la verdad, aquí en Alicante me siento completamente ajeno y despistado. Supongo que en las grandes ciudades la oferta cultural sigue siendo activa y los que tratan de esconderse de la accesibilidad de masas pueden encontrar su latir propio en estas ciudades en diferentes tipos de conciertos,exposiciones,proyecciones,etc. En lugares, relativamente pequeños como Alicante la mundialización está fomentando su sentido corporativista de crear una mentalidad única cuando las nuevas tecnologías lo que nos permiten es alcanzar mayor información. Esta epidemia, me da a mi que solo acaba de empezar.

Pocahaunted: Threshold 7" (Not Not Fun,2010)


Este año Pocahauted ha cambiado completamente de rumbo y como prueba "Make It Real", ha sido un largo al que no nos tenian acostumbrados Amanda Brown y Diva Dompe, después de los espectrales claroscuros de discos como "Fabulous Diamonds" (2008),especialmente, o diversos formatos en una incontinencia de pequeña tirada.

Dentro de los cambios, la marcha de Bethany Cosentino con su proyecto Best Coast (prometedor y en formato single pero luego algo frío en disco), con un sonido mucho más rockero en el que Cameron Stallones intenta asemejarlas a la psicodelia de Magic Lantern pero desde el funk,ahora incorporan un último cambio: la grabación en estudio a cargo de Tim Green (Nation of Ulysses,...) . Recuerdo, que Tim Green también ha estado en la última producción de Fresh & Onlys, en lo que parece ser el productor fetiche de todos los grupos que graban gran cantidad de material pero con sonidos mucho más cacharreros. El resultado del single, es una etérea pareja de canciones como la titular ,y la aún más espectral "Echolocation" con sus aires de dub pop psicodélico.

El resultado es la certeza que Pocahaunted me gustan más en formato corto ,de momento, que en formato Lp, donde al final acaban creando batiburrillos de difícil asimilación. Recomendable para relajarse.

miércoles, 20 de octubre de 2010

Giant Sand : Blurry Blue Mountain (Fire Records,2010)


Hace ya muchos años que he seguido con admiración todos y cada uno de los pasos de Howe Gelb, espíritu detrás de Giant Sand, banda donde durante muchos años tuvo a su lado a los Calexico Burns y Convertino asestando mordiscos a la música tradicional country folk.Han sido uno de los referentes del nuevo rock alternativo en América y ya han pasado veinticinco años desde su debut "Valley of Rain" que coqueteaba con The Gun Club,Dream Syndicate,Silos,Beasts of Bourbon con posters de Hank Williams en su habitación. El punto más álgido de su carrera vino acompañado de la despedida a uno de sus amigos y colaboradores, Rainer Ptacek (el dueto "Inner Flame" siempre es una delicia escucharlo) con el disco "Chore of Enchantment" (2000). Mientras fue desgranando múltiples sobrenombres como OP8,The Band of Blacky Ranchette o bajo su nombre propio para comenzar una nueva andadura sin Convertino y Burns ya dedicados plenamente a Calexico, pero dejándolo en un disco sobresaliente. La mano de John Parish y Craig Schumacher en la producción fue además, todo un acierto.

Ahora, la narrativa y la luz de este disco se despierta en "Fields of Green", que abre el disco y nos recuerda que este disco es su bienvenida a los 50 años ya de edad.Deben haber pasado muchas botellas por la garganta del bueno de Howe, mujeres,relaciones,descendencia, cosas que realmente marcan la vida y que una vez que recapitulas son las cosas que primero aparecen. Supongo, que me pasará lo mismo ,igual,cuando llegue a esa frontera donde por el camino ahora solo veo arenas movedizas. El disco, sigue siendo Howe Gelb en vena. Como siempre recordándote a sus diferentes etapas y con ello decir, que es todo un lujo escuchar este disco de aires típicamente Giant Sand. Se podría ver como un punto intermedio entre "Glum"(1994) y "Chore of Enchantment"(2000),más natural que "Is All Over The Map"(2004) pero con una presencia mucho más rock.Con toques de "Hisser" o "The Listener" de su aventura en solitario.

El resultado para todos los que estamos familiarizados con su obra, es una nueva alegría y un disco clásico en la admirable trayectoria de Giant Sand."Monk's Mountain", "Better Man Than Me","Love a Loser", "Chunk of Coal","Lucky Star Love",... son simplemente nuevos escondites para saludar a un maduro y como siempre, sorprendente Howe Gelb. Brindemos.