Dori Caymmi - Dori Caymmi (o "Cantador") (Odeon,1972)

Supongo que seguiré estos días realizando una serie de actualizaciones en torno a la música brasileña, en parte por la serenidad que transmite esta música en pleno invierno, sirviendo de algún modo de antídoto . En esta ocasión en una clave mucho más barroca dentro de la melancolía propia de Jobim, Dori Caymmi entrega un disco de sabor jazzy y de barroquismo crooner al que le tengo en alta consideración y estima, cercano a Hazleewood, Fred Neil o Tim Buckley en clave brasileña compartiendo ese tono con otro referente como Geraldo Vandré más que a Belchior. Cantando a la vida y a la muerte, cantando al amor en "O Cantador" nos adentramos en un disco dulce pero apesadumbrado, dejándonos balancear en arreglos orquestales en "Minha Doce Namorada", el tono cercano a Milton Nascimento o a Veloso de "Velho Pescador" más que a su padre, el célebre Dorival Caymmi. Hay joyas como "Lenda", donde la comparación con Buckley parece acertada y hasta que se desvanece su voz en "Nosso homem em Três Pontas", alcanzamos un disco ideal para un tarde melancólica y con su compañía, placentera. Esta será una semana astral.

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Joe Simon - Drowning in the Sea of Love (Spring,1972)

Uno de los retos de este año será, quizás, volver a mostrar una cara menos hermética en los contenidos del blog, intentando no mostrar tan solo discos que sean rarezas y volviendo a pasearme por la nostalgia de algunos de mis discos preferidos y revisar algunos de los discos sobre los que he escrito en estos años. Recuperar el perfil soul es otro de los objetivos sin duda y este disco de Joe Simon, además uno de sus mayores éxitos comerciales, titulado "Drowning in The Sea of Love" es una auténtica maravilla en el que Simon se centra en una vertiente menos sureña y trata de explotar una vertiente que juguetea con el suave balanceo del sonido philly acompañado por unos excepcionales arreglos en las composiciones de una lista donde Bobby Martin , Ron Baker, Tom Bell y Leonard Pakula  hacen del sonido de este álbum una exuberante experiencia donde maravillas como el hit que da título al disco (con ese encanto similar a Bill Withers) se enlazan con suaves recreaciones del "You Are Everything" de los Stylistics,  "Pool of Bad Luck" es sensacional, la pasión de "The Mirror Don't Lie" o "If", son piezas relucientes e iluminadas, mostrando un candor envolvente, aquel del que no quieres escapar. Naveguen en paz, no dejen que la corriente les hunda.

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Marc Jonson - Years (Vanguard,1972)

Volvemos a la actividad después de los parones navideños habituales y con nuevos propósitos para este nuevo año en el que, la verdad, no he pensado en ninguna novedad o cambio drástico a plantearme notable y dejando que sea el transcurso de los días y ánimos los que definan la hoja de ruta a seguir. Para comenzar el año con un toque invernal y de sosegado poso autocomplaciente en estos momentos de resacas buscando el cobijo de un disco amable y seductor en el que sentirnos relajados me gustaría empezar recomendando esta joya de folk de tonos barrocos en su producción a cargo de Marc Johnson titulado "Years" y editado por Vanguard en 1972. De manera involuntaria, aparecer con una primera actualización este año con un título de álbum como "Years" parece bastante oportuno. Siguen pasando los años y en ese transcurso se acumulan vivencias de todo tipo y en la voz de Marc Jonson uno siente como una mayor teatralidad y afección casi épica que recuerda a muchos otros ejemplos del folk barroco y psicodélico de finales de los 60 y principios de los 70. De cualquier manera, es un disco terriblemente acogedor y mágico que en su producción encuentra un gran factor diferencial y con una suficiente extrañeza que lo hace imperecedero. él lo recuerda de este modo:

"The story of how this record got made is a classic tale of a music business dream. I literally walked cold, into a New York City music publisher, played her three songs from the tape and watched as she called her friend at RCA. 

Thirty minutes later I was in his office listening to my music again. A week later I was being offered a deal an artist/producer deal. As it turned out, Vanguard Records offered me another situation and I went with that. I suppose a desk job at RCA didn't appeal to my vision of being a traveling troubadour. 

I produced the record over the course of 1971 at Vanguard's 23rd street studio. I used left over harpsichords from classical sessions the night before. I hired string players and a string arranger. I even met a street player named Steven Gardner who played the recorder and set him to task on a long instrumental part of one of the songs. It was very ahead of its time in many ways."

http://www.mark-johnson.com/page81.html

El resto del contenido en este disco me parece absolutamente mágico y encantador, un paraje nevado e inclemente que también puede servir de acompañamiento para pensar en el nuevo estreno de los Coen o en aquel misticismo tras Sixto Rodriguez en "Searching for Sugarman" o recapitular posts habituales en muchos blogs (en este también viene siendo habitual) donde se hacen eco de joyas perdidas en el tiempo. Una conmovedora y gratificante experiencia en todos los sentidos. Como espero que sea 2014 para todos los que siguen los contenidos de este blog, e incluso para mí. Feliz año nuevo tengan ustedes.

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Paul Levinson - Twice Upon a Rhyme (Happysad,1972)

Intentando buscar información adicional para incorporar a esta entrada he encontrado una perfecta definición de lo que se puede encontrar en este disco: Tim Hardin meets The Zombies. Creo que es una aproximación bastante consistente para definir el album de Paul Levinson, Ed Fox y Peter Rosenthal, una auténtica joya olvidada en 1972 que sirve de perfecto termómetro a una mañana de sábado en Noviembre cálida y apacible. "Twice Upon a Rhyme", otra maravilla en segundo plano.Silbando, everywhere.

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Philippe Maté & Daniel Vallancien ‎– Philippe Maté & Daniel Vallancien ‎ (Saravah,1972)

Por regla general, no soy un gran fanático de de la fusión jazz-rock ni del tono progresivo en muchos discos de jazz y tratando de evitar este campo en un sello como el francés Saravah, donde hay algunas joyas de Brigitte Fontaine o Barney Wilen (y que iré rescatando), donde su catálogo iba creciendo en esas direcciones. La curiosa unión que consiguieron con el técnico de sonido Daniel Vallancien y el saxofonista Philippe Maté, es realmente un auténtico milagro. En este único disco, encontraron un lugar donde el híbrido entre jazz y electrónica conseguía traspasar el campo de las disonancias o lugares donde experimentaban otros músicos en la época, tornándose en discos avanzados pero tal vez muy forzados en algunos casos. De manera curiosa, estas siete composiciones van entrelazando elementos de jazz nocturno entre efectos sonoros electrónicos, ecos y demás técnicas aplicadas por Vallancien  que en cortes como "Cambodge 70" están más cercanos al drone y a un horizonte cinematográfico que al free jazz. Lo mismo se podría decir de "Campus" o "Sax Hi Fi", donde la manipulación de los sonidos nunca llega a una tonalidad agresiva y más bien parecen recrearse en la paranoia y la extrañeza. Pero de esta confrontación, hay un ramillete de temas que juegan con sonoridades de percusión africana como en "Bateke Bojo" que avanza el sonido cálido de Francis Bebey en discos como "Akwaaba" y la poliritmica recreación generada a su alrededor y que vuelve a presentarse como una cascada minimalista cercana a Reich en "Sanza Salée" (como Sanza se reconoce a este instrumento, durante los años 60 y 70, la mbira (likembe o kalimba) o el kisanji) que los sitúa como verdaderos arqueólogos sonoros. Si con las definiciones dadas hasta el momento, no se sabe muy bien si estamos hablando de experimentación entre jazz y electrónica o más bien, library music, la puntilla se encarga de ponerla "Endophonie" y "Cyclothimie" piezas que juegan con el tratamiento sonoro de distintos sonidos percusivos estructurados en un collage sonoro que es capaz de trazar puentes con la electrónica desorientada, repetitiva y caótica de Sculpture, Ekoplekz o The Durian Brothers. El monstruo que engendraron Maté y Vallancien es de otro planeta, está claro, por la manera en la que tomaban prestadas ideas de otros músicos de vanguardia previos y consiguieron trastear con ese sonido alcanzando un minimalismo vigente cuatro décadas después. Un étrange diamant noir.

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Barbara Moore - Vocal Shades and Tones (De Wolfe,1972)

Si hay un sello que se ha convertido en fetiche en los últimos meses es el catálogo del sello londinense De Wolfe, cuyos discos favoritos iré posteando en posteriores entradas. Hoy, para ser lunes, he preferido comenzar con un disco de pop elegante que se pasea por territorios jazzys, bossa, pop, lounge ,banda sonora, library music retro futurista y psicodélicos con elegancia e ideal para seguidores del pop de arreglos barrocos pero que priman la elegancia y la ambientación por encima de la lírica, ya que como este disco indica Barbara Moore con su voz tan solo nos arrulla coros y tan solo nos conduce con melodías vocales recreando un mayor énfasis en el exotismo de los arreglos en los que tan solo su voz aparece de manera fantasmagórica sobrevolando sobre ellos con sus diferentes armonías vocales. Todas y cada una de estas composiciones se centran en este aspecto tomando los estandartes soleados de las producciones pop de la época a lo Burt Bacharach o Morricone acompañado por Edda Dell'Orso repletas de dulzura e ideales para silbar en verano o de acompañamiento a un buen aperitivo en alguna terraza con un vermú casero, dry martini o manhattan según gustos. Es tiempo para disfrutar de la coctelería y una perfecta obra para seguidores del universo Ghost Box, cuya influencia del catálogo De Wolfe en sus artistas es completamente evidente, aunque será con otros discos donde la electrónica hace aparición donde se verá mucho más evidente. Seguidores de Broadcast, Plone, Pram, Stereolab,... también sentirán un perfecto escondite inocente y optimista donde dejarse arrullar, pensar en bicicletas, camisetas de rayas y toda esa estética de otra época. Un disco necesario y tremendamente recomendale este "Vocal Shades and Tones".

**Os dejo aquí con una de mis bandas sonoras de Morricone con Ella Dell'Orso ya que la he mencionado:

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Ben Frost & Daniel Bjarnason - Solaris (Bedroom community, 2011)

La reinterpretación musical que llevan a cabo Bjarnason y Frost de la gran película de Tarkovski, "Solaris", fruto de una colaboración para el festival Unsound , en el plano musical, se ajusta a la suma lógica de sus dos personalidades, Bjarnason aportando la sobriedad neoclásica y Frost el punto misterioso que flota en el ambiente. Para los seguidores de este tipo de música, el disco se sostenta de por sí, pero intuyo que este disco aun cobra más sentido con el aporte visual  para entender los cambios,silencios e interludios que encontramos en este disco. Muchas veces, dentro del género, estos discos vienen con su pequeña historia o concepto que lo abandera, pero deja el apartado imaginativo para el oyente creando sus propios paisajes en su mente. Hoy "Solaris", sirve para documentar una mañana lluviosa y gris de otoño en el mediterraneo y puedo afirmar que con estas imágenes, también convence. Puede ser un disco excusa para detenernos un momento a observar y oler la lluvia.(en caso que te de por ahí,que tampoco es una cosa...)

 

Tim Hecker - Ravedeath,1972 (Kranky,2011)

Esta semana encontré en algunos telediarios la noticia de los pubelos que tiran animales desde lo alto del campanario,un pavo en esta ocasión,y como las asociaciones protectoras de animales protestaban por permitir los ayuntamientos que estas prácticas cavernícolas siguieran realizándose. "The Piano Drop" también debería poner en alarma a las asociaciones protectoras de los pianos en Massachusetts, ya que es una práctica que realizan los alumnos del Instituto Tecnológico al llegar el final de curso. El primer lanzamiento fue en 1972, de ahí la fecha del título y supongo, que algún día le caerá a George Clooney en la cabeza sin opción a devolverlo a la vida a cambio de las cápsulas de insufrible café que publicita.

Tim Hecker, decide sar un salto también en su sonido al aliarse con Ben Frost, un salto que no hace referencia a un cambio de rumbo, sino a la expansión que le proporciona en la grabación. Frost consigió el mismo en "By The Throat", despegándose del sonido progresivo y envolvente, ya fuera calma o ruido de "Theory of Machines" o "Steel Wound", por una producción mucho más agresiva y contundente, un sonido maximalista o no se como describirlo, donde todas las sutilezas se convertían en agresión y con una atmósfera mucho mas tensa. Esto es lo que le aporta a Hecker, que después de "An Imaginary Country" ,parecía que había perdido en una suerte de shoegazing demasiado acomodado y porque no, no se sentíua tan isnpirado.

Para este disco, el sonido eclesiástico magnifica todos los pasajes y consabidos referentes de estos artistas, Riley,Reich,bandas sonoras,drone,ambient,Eno,...obviamente este aroma proviene de grabar material en una iglesia y la utilización de órganos, muy en la línea habitual de los artistas minimalistas en su reivindicación de unos instrumentos y unos espacios de acústica que pertenece a la memoria pasada.El disco, entre sus trilogías "In The Fog" e "In The Air", deja paso a cortes que siguen aumentando el significado melancólico y emocional de este disco. Bueno, en realidad la palabra emocional es un poco gratuíta y poco específica, ya que siempre se suele usar sin mucha importancia. Pero esto significa una vuelta a la inspiración de "Harmony in Ultraviolet" y, eso es una buena notica. "Hatred of Music" y sus dos partes pivota entre el clasicismo de Max Richter y el ánimo desintegrador de Basinski,Yellow Swans o Philip Jeck."Analog Paralysis" está cerca de Fennesz y su "Black Sea", aunque realmente Fennesz y Hecker siempre han ido un poco de la mano cuando han queirdo ponerse preciosistas en su reinterpretación del sonido de la guitarra. La suite final "In The Air" enjuaga de noise recuerdos de minimalismo IDM de sus primeros discos.Gran disco este "Ravedeath,1972",que sigue puliendo y alimentando la obra de un artista que sin grandes cambios aparentes, deja la sensación de estar su personalidad detrás.Personalidad que ha ido moldeándose desde Mille Plateaux,pasando por Alien8 y acomodándose en la tierra del indie drone de Kranky,y parecía perdida desde 2007 con sus maravillosos ep's "Norberg" y "Atlas".Clásicamente de vuelta.

Una sugerencia final, ya que Jelinek ha retomado su alias de Farben, podría animarse el canadiense y recuperar el de Jetone.¿O no Tim?

Julius Hemphill: Dogon A.D. (Mbari,1972)

El maravilloso disco del cuarteto liderado por Julius Hemphill guarda un lugar especial dentro de mis discos preferidos de jazz. Con un cuarteto de saxo,cello,percusión y trompeta, este disco incoropora un aire de dureza cimentado en el cello, que me transporta en algunos momentos a estar escuchando a The Ex. El tema principal, "Dogon A.D." es un auténtico desparrame y mezcla de tensión e improvisación.Tensión amordazada con la batería y el cello, con una dinámica repetitiva y marcial. Improvisación por parte de Hemphill y que se mezcla junto la trompeta de Baikida Yassen en el tramo final,en un final que se vuelve dulce y todo en un aire de sencillez que resta carga al asunto y adquiere en algunos momentos del final tonos de película de cine negro o gangsters.

Los otros dos temas de las sesiones de grabación en St Louis que se incluyen en este disco,de estas sesiones surge también la tremenda "The Hard Blues" incorporada en su disco posterior también excelente "Coon Bid'ness", como "Rites" y la maravillosa final "The Painter" ,nos sigue mostrando a cuatro músicos en forma.En "Rites" , la batería de Phillip Wilson y el cello de Abdul Wadud, serpentean entre las improvisaciones de saxo y trompeta en ejercicio de equilibrismo y conjura realmente de gran altura.El final con "The Painter" , empieza dulce con Hemphill a la trompeta y el resto del cuarteto le acompaña enbelleciendo cada una de sus notas, pero poco a poco el cello(que parece en algunos momentos que sea una guitarra) y la flauta van cogiendo nuevas velocidades y la trompeta se va asomando mientras la batería suelta repentinas descargas y al final, te vuelven a dejar en un remanso y con cara de felicidad.Porque este disco, pese a ser considerado como jazz de vanguardia,free jazz,etc, respira en lo humano y esa cualidad cuando la unes a la virtuosidad, consigue obras de esta altura. Esta es altísima.