Edu Lobo ‎– Camaleão (Philips ,1978)

De las magníficas obras de Edu Lobo, tal vez "Camaleão" no sea una de las más conocidas de su discografía en la que se encuentran piezas tan brillantes como la icónica "Missa Breve" (1973) o "Cantiga de Longe" (1970) entre otras magníficas obras creadas en un período de diez años entre el 64 y el 74. "Camaleão" es la obra posterior a otra belleza como es "Limite Das Aguas" a la que me siento íntimamente ligado.  El inicio de "Lero Lero" podría transportarme directamente hacia Bill Withers pero segundos después consigue transportarte en un sentimiento entre Jorge Ben, Milton Nascimento, Lee Hazleewood, Dr John y Van Morrison extraño de explicar en una joya poptan sensacional como "O Trenzinho do Caipira", tan exuberante y victoriosa. La seda jazzy crooner se presenta en "Coraçao Noturno" , tocando una fibra que se despierta al sentir el empuje baiano festivo de "Canudos" y el interludio jazzy del corte titular. La calidez que desprende este disco irradia en cualquier esquina y no cesa en dominar esta sensación con "Sanha da Mandinga", aunque para el final decide otorgarle un color mucho más recogido gracias a las preciosas "Desacompassado" y especialmente, "Branca Dias" con ese tono tan cercano a Paolo Conte. Otra de las muchas joyas escondidas en aquella efervescente época en la música brasileña.

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Mibu Kogawa - Furukawa (業晒し) (Grass Field's Essence , Private Press,1978)

Este único disco de folk salvaje y apasionado de Mibu Furukawa (otra variación es Mibu Kogawa) es una suerte entre el cancionero norteamericano psicodélico y de carretera unido al salvajismo samurai y al horror de las películas de Kobayashi, o al menos evocaría ese universo en el que imaginarse jinetes solitarios recorriendo el oriente o samurais poníendose tibios de ácido en California. Botas de cuero y katanas. Sombrero a lo Dennis Hopper y kimonos. Quizás estoy dejándome llevar por el sustrato Tarantino (o tal vez Cowboy Bebop), aunque el sentido del humor de  "The Sword of Doom" o "Kwaidan" no sea tal. La voz de Mibu es profunda, blues llevado casi a una velocidad hardcore y desenfrenada, blues gutural, como el free rock de Keiji Haino pero con el rasguido de barbarismo vikingo del floklore polaco y ruso. Música desfondada y herida. Una auténtica maravilla perfectamente descrita en la información que encontré en el album:

"Japanese rural acid folk private press masterpiece that till this day is only known by a handful of Japanese music aficionados and folk heroes like Mikami Kan and Tomokawa Kazuki who both consider Furukawa Mibu a huge influence upon their own musical creations. Just like the aforementioned ardent fans of his sole recorded LP, Furukawa also heralded out of the cold and wind-beaten high north of Japan's Aomori Prefecture. It remains unclear to me why a weather beaten rural folk dweller with a voice deep enough to bring out the dead and gifted with an unchallenged talent only released one single LP that saw the light of day in 1978 on this private imprint, hitting the streets back then in a minuscule run.

Right from the start the mood is set with the sound of the high northern wind blowing through the air while some austere minimal flute can be heard. Furukawa's voice drifts in, sounding desolate, the crying of a baby drivels through, more disenchanted feelings of loneliness and hardship to rise up from out of the deserted rise paddies while Osoresan looms omnipresent and threatening over the already doom struck villages. Welcome to Furukawa's world. His almost tribal rough edge guitar strumming set against a single noted taiko drum beat enhancing even more the depraved nature of his township. 

He sounds troubled, seasoned with hardships, rural superstitions and bad omen forecasts, especially emphasized through the field recording like snippets of old women reciting exorcism rites and sacred texts. His rasping howls and shrieks sound like the come from beyond the grave, a blues from out of desolation row. Desperate loner folk? Well it is all here. Hardcore Japanese blues/folk from beyond a world inhabited by ghosts and natural hardships. One of the best folk records to seep out of Japan. Nope, no acid folk here folks, this is way too deep and hard to degenerate into such a fashionable term. Just hardcore Japanese folk blues. Rare micro pressing and too obscure to attract any attention from the outside world. Just sheer fantastic music and possibly my all time favorite folk album to come out of here. All time highest possible recommendation. Massive."

- Tiliqua Records

En este blog además se puede encontrar un enlace donde está disponible el disco. Joyaza animal.

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Kit Ream - All That I Am (Creative Records, 1978)

El único disco de Kit Ream se convirtió en un objeto de culto tras ser destacado por Jello Biafra en su libro "Incredible Strange Music II":

The most deranged "rich person do-it-yourself" album is All That I Am by KIT REAM, heir to the Nabisco cookie fortune. According to someone who knew him, he dropped tons of acid in the '60's and wound up in a mental hospital where he spent six months staring at his own reflection in a mirror. Eventually the acid wore off, he was deemed "cured" and let loose in society, whereupon he decided to become a guru and make a record. From his maniacal expression you can see that this is a man who has seen it all and knows that he has "the answer". The songs are light beatnik jazz mixed with pseudo-psychedelia; he chants lines like "Don't be so holy, poly, over my soul-y." As far as I know his cult is still vastly outnumbered by Maharaj Ji, Rajnessh and the Moonies.

Algunas reseñas han contado hasta con la entrada en los comentarios del hijo del propio Kit Ream como en esta de waxidermy (enlace) y en algunos blogs incluso se puede conseguir para descarga (enlace) y también incluído en el proyecto de la referencial UBUWEB con el 365 Days (outsiders) Project (enlace) en el que muchos solemos navegar para encontrar esas joyas aurales perdidas en el tiempo. Del blog lost in Tyme saco una nueva descripción:

"This one is pretty well-known by “incredibly strange” fans and has been raved over by Jello Biafra. To make the story short, Ream was a wealthy 1960s acid casualty and then mental patient whose album was actually released by the "Institute For Creative Living,” a conservative “spiritual growth” center. The spacy, jazzy music on the album is strikingly similar to the equally bizarre Gary Wilson. Ream rants and raves in a completely confident and lounge-inspired way, entreating us not to be so holy poly over his souly, among other things. As real people albums go, this is one of the most endearing, as his life philosophy is even more compelling than, say, Father Yod’s, and the music is never dull. One song has some unexpected female vocals, and a few others have cool and weird vocal arrangements. He grunts and groans and moves from sing-speak to crooning at the drop of a hat. This is absolutely wonderful. “Go down to the beach, baby, get naked at twelve o’clock!"

El disco es una chaladura a la que le hacen justicia todas las descripciones desperdigadas por la red, sin duda alguna. Hay momentos que parece como si Mark E. Smith estuviera envuelto en el espíritu de Dr John en "Wines", el momento canallesco de "Funk" serpenteando con el proto-disco y el funk sintético, la nana hippiesca y jazzy de "Memories",... Seguiremos presentando actualizaciones en este sentido de una manera más habitual. Todos estos rescates son pertinentes, sin duda alguna.

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Baudouin Oosterlynck ‎– 1975-1978 (Metaphon,2008)

Una de las mayores bofetadas que he sentido en mi vida ha sido descubrir la obra de un personaje como el compositor belga Baudouin Oosterlynck. Tan cercano a Cage como a Maurizio Bianchi, como a Graham Lambkin o Robert Ashley, Steve Stapleton o LaMonte Young, Keith Rowe o Luc Ferrari, Alvin Lucier o Charlemagne Palestine o todo sinónimo de compositor minimalista y experimental de características en su tratamiento sonoro completamente outsider. En esta recopilación de cuatro discos del sello belga Metaphon , encontramos un material sonoro desconcertante y fascinante, instrumentación diversa en instalaciones donde se encarga de modificar y jugar con los componentes de los instrumentos (en inglés siempre se utiliza el vocablo: prepared), spoken word, fantasmagóricas atmósferas, ... Lugares indescriptibles y familiares, pero que resultan tremendamente peculiares en ese intervalo entre el 75 y el 78. Joyas de otro mundo

http://www.baudouinoosterlynck.be/

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Vis à Vis - Odo Gu Ahorow (Ofo Bros,1976) / Obi Agye Me Dofo (Brobisco,1978)

La conexión espiritual y a la espina dorsal de estos dos discos del grupo de Ghana liderado por Isaac Yeboah , Vis à Vis, es demoledora. Afrobeat, highlife, funk y sintetizadores marcianos serpenteando entre lineas de bajo impulsadas de profunda pulsación a cargo de Slim Yaw Manu, los teclados de Abee Mensah en el primer disco y, especialmente, Tonny Dozis en el tema titular "Obi Agye Me Dofo", son de otro planeta, siempre acompañados por la dirección de Isaac Superstar Yeboah y la guitarra de Sammy Cropper (vibrante también su disco en solitario para el sello Makossa con HisWire Connections) y la solidez rítmica de un batería sensacional como Kung-Fu Kwaku, los vientos en "Obi Agye Me Dofo" de Paul Winter y Kofi Abrokwa. Es difícil explicar lo mucho que puedes sentir esta música. Robo y rapto. Tremendisimos trabajos.

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Ossie Hibbert & the Revolutionaries : Earthquake Dub (1978,Joe Gibbs Music)

The Revolutionaries junto con el productor y teclista Ossie Hibbert no contentos con entregar algo tan magnífico como "Vital Dub Well Charged" (1976), abrieron de nuevo el tarro de las esencias y nos regalaron este sensacional "Earthquake Dub", un disco de dub que se nutría de una amplia paleta de sonidos donde podemos encontrar desde el saxo tenor de Tommy McCook, el maravilloso trabajo percusivo de Sly Dunbar y Count Sticky,los teclados de Ansell Collins o el trombón de Vin Gordon, todos ellos músicos de amplio historial dentro del sonido jamaicano de la época.

"Earthquake Dub" es un recorrido agradecido dentro de la música dub, tan lujoso en detalle y a la vez, respirando en esas líneas de bajo y reverberaciones mientras la percusión marca el paso y los vientos con sutileza dibujan nuevas formas. Grabado en los estudios Channel One, este disco consituye un bálsamo donde escaparse y dejarse envolver con la etérea "An Event" o "Fletchers Land" ,donde silbar con los ojos cerrados en "Collie in Dub", dejarse impresionar por ritmos que Liquid Liquid adoraran como "Pain Land Dub" o la titular.

Un Caramelo.