The No-Neck Blues Band - Sticks and Stones May Break My Bones But Names Will Never Hurt Me (Revenant,2001)

En 2013 el sello De Stijl recuperó de manera digital el catálogo de The No-Neck Blues Band con motivo de su 20 aniversario de vida por parte del colectivo, enmarcado en una serie de actuaciones que sirvieron de celebración . Muchos de los fans de la formación, gran nómina de nombres célebres dentro de la escena experimental, se encargaron de revisitar el contexto y la importancia de cada uno de sus discos. Sobre "Sticks and Stones May Break My Bones But Names Will Never Hurt Me":

"Sometime in 1999 we were contacted by Dean Blackwood of Revenant Records, asking us if we wld be interested in hosting John Fahey at our Hint House compound in Harlem, with an eye toward a US tour with NNCK to follow. We agreed, + upon meeting Fahey in raybans at JFK it was clear that our lives wld never quite be the same. After doing a few shows w him in NY, it was decided that NNCK wld make a record fr Revenant, which was Fahey’s label. In order to rise to this auspicious occasion, we enlisted the legendary 60’s underground record producer Jerry Yester, whose work fr Zal Yanovsky, Tims Buckley + Dawe, + his own Farewell Aldebaran + Rosebud LPs w his wife Judy Henske we considered to be visionary. The results mark the fulcrum upon which the NNCK legacy rests. Originally packaged in a custom plexiglass + branded wooden package, + named by Edwin Pouncey of Wire magazine as his choice fr the best record of 2001. 

Sticks and Stones was the first project in my newly constructed studio, Willow Sound, deep in the Ozarks of NorthWest Arkansas, 1999. 

I should’ve stopped right there. NNCK floated into town on a vapor, and left the same way (Not without the notice of the local constabulary, who hassled them on their way out, for… “Bein’….just too differnt!"). They left, but not before making the most unusually creative pieces of work I’ve ever been fortunate enough to’ve been involved with. At a time when most bands ran the gamut from “A” to “B”, These folks invented a whole new alphabet! From seemingly Old Blues, to Primordial Soup. Many Musical forms will improvise the content in a given framework; with them the framework was up for grabs. Everyone should be this much fun to work with. 

~ Jerry Yester " (*link*)

La falta de descanso, y la turbulenta combinación de lluvia y viento esta mañana, me ha hecho volver a uno de mis discos favoritos de la formación al que llegué gracias a la buena acogida por parte de la crítica en su día y verlo en el top10 del año en The Wire. Fue una puerta de entrada en su día al género del folk psicodélico y psicotrópico que, posterormente, me llevaría a descubrir muchos de los grupos que sondeaban por estas coordenadas a principios de la década pasada y que tanto me fascinaron. Hoy brindo por ellos.

Recupero al mismo tiempo, una entrevista que hice a Pat Murano, miembro de la formación:

http://www.conceptoradio.net/2014/01/21/en-conversacion-con-pat-murano/

Una grabación sobre su actuación en 2013 en Issue Project Room

No-Neck Blues Band live at ISSUE from ISSUE Project Room on Vimeo.

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Jason Lescalleet & Greg Kelley - Forlorn Green & Live

En 2001, dentro de las primeras referencias de Erstwhile, Lescalleet y Kelley parieron un auténtico monstruo que sigue resplandeciendo en sus cuatro maravillosos cortes,desde la malsana intriga de "Man of the Outside" hasta la quietud de "Autumn Leaves", todo esto equilibrado por la larga narración de "Conquest of the Earth". Como muestra de sus evoluciones he encontrado este video que nos retrata el proceso de la pareja.



cLOUDDEAD : (Mush,2001 )

Odd Nosdam (David Madson), Why? (Yoni Wolf) y Dose One (Adam Drucker) formaban parte del colectivo Anticon, dedicado a la mutación surrealista y psicodélica del rap con la electrónica y una estética de calado indie(colaboraron con Hood,Notwist,...).Por Anticon también andaban Jel,Pedestrian,Sole o Alias y sus respectivos proyectos. cLOUDDEAD, empezó su actividad con el lanzamiento de seis singles entre 2000 y 2001, en Mush Records, desde el inicial "Apt.A" hasta "Bike". Todos estos seis singles  están recopilados en esta compilación homónima que tiene peso de album en toda regla. La visión onírica , experimental y arriesgada del hip hop que se estaba propagando de manera agigantada esos años. Con su décima referencia, "Ten"(2004),como avanzaron en la novena "Dead Dogs Two" era el punto y final al proyecto liderado por Nosdam. Todos siguieron dentro del colectivo asociándose entre ellos y sumando referencias en solitario. Sigo recordándolos siempre que escucho producciones imaginativas de hip hop.Minimalismo,ambient,ensoñaciones folk, ruidismo shoegazing o alcanzaban casi puntos gospel con mantras mortecinos casi Coil como los de "I Promise Never to Get Paint on My Glasses Again pt2". Todo este material, toda esta creatividad es una salvajada. Aquí os dejo un video en directo , en 2002 con Jimmy Breeze:

The Avalanches - 'Since I Left You' single (XL,2001)

Recordar a The Avalanches un sábado por la mañana siempre indica que el fin de semana empezará con buen pie. El video es una auténtica joya, como todos los que les hicieron, y la canción para que decir nada. "Since I Left You" es posiblemente uno de mis diez discos favoritos de la década anterior y en el plano personal cada vez que recuerdo los dias y semanas siguientes a su compra revelan una lágrima en mi memoria.Hubiera sido gracioso un rescate a los mineros chilenos en este aspecto, total se acabó convirtiendo el drama humano en un espectáculo coreografiado por marcas publicitarias.La desgracia también es marketing.

Muchos esperamos que algún día puedan volver estos australianos y superar la obra maestra de este disco (cuantos rumores de nuevo disco se publicaron...)

Joseph Suchy : Entskidoo (Entenpfuhl,2001)

Es difícil clasificar un disco como "Entskidoo". Decir que es experimental, es demasiado obvio. Lo que me llama la atención de este disco es que se convierte de algún modo en el reverso de "Endless Summer", pero colocando los elementos de un modo distinto y donde también hay un elemento pop. Este desorden pop que manejaba Fennesz mirando a los Beach Boys, Joseph Suchy parece que lo maneja como Ian Crause y sus Disco Inferno (banda, amada desde el buen día que la escuché). El ruido es un elemento latente, pero se esconde y aparece en oleadas desbocadas que te dejan sin respiración. Y claro, tampoco es que sea exactamente noise.El caso,es que no hubiera conocido ,probablemente, la existencia de este disco si no es por el magnífico "Soundchambers"(2004) junto a Ekkehard Ehlers y Franz Hautzinger, para el magnífico sello Staubgold. De todos modos, hay momentos que parece que haya cierto espíritu cercano a Durutti Column, pero el desorden vuelve a asaltarte al escuchar percusiones africanas de mbiras o likembes en la tercera toma del disco.La lógica de este disco está completamente pervertida y distorsionada. Esa es la maravillosa maldad pop que me gustaba de Disco Inferno. Dejo claro, que la comparación es a nivel conceptual. Es un disco que te asalta continuamente, cuando parece que estás ante un meditabundo drone o rasgueo de guitarra, te asalta toda la maquinaria. Este hombre, se pudo volver esquizofrénico haciendo este disco, pero recomendable una excursión por esta chaladura del guitarrista de Colonia.El corte final del disco,susurrado por Yvonne Cornelius (Niobe) te pilla a contrapie y te tumba definitivamente.

Alan Licht: Plays Well (Crank Automotive,2001)

Este hombre está tronado. Todos lo sabemos (los que lo conocemos) y además, es un cachondo dentro de lo experimental. No se puede decir otra cosa de alguien que titula un disco con "The Evan Dando of Noise?"(1997) y encima sale victorioso. Pero ante todo, estamos ante un nombre de confianza absoluta en su trabajo. Alguien que ha gastado sus dedos tocando junto a Rudolph Grey, Arthur Doyle,Beaver Harris o Charles Gayle en The Blue Humans ("Clear to Higher Time" es una patada dura ahí,donde sufrimos los hombres) no es moco de pavo. Y su obra discográfica es un auténtico rompecabezas en solitario o sus diferentes discos colaborativos con gente del mismo pedigrí como Oren Ambarchi,Akiyama,Haino,Lee Ranaldo,... Este tipo de Nueva Jersey sabe con quien se junta (y los demás saben también como se las gasta).

Pero si hay un disco que siempre recomendaría al que desconozca a este tremendo caballero, sería "Plays Well" un disco dividido en dos partes maravillosas y con personalidad propia. Por un lado, "Remington Khan" con un inicio de folk blues de aires primitivista y rural con el sonido de Licht a la guitarra eléctrica planeando sobre las melodías de la guitarra de una manera hipnótica y que se va convirtiendo en un mantra del que no puedes despegarte por más que lo intentes.Pero claro, muy tierno parecía todo. Igual nos iba a contar el cuento de Bambi y no nos habíamos enterado.No,no.Al final, se encrespa y empiezan a moverse las olas de electricidad hacia un tono de rock psicodélico que te espolea de una vez por todas.Eso sí,tampoco te vas a librar de él hasta el final.

La segunda parte, también tiene miga.En "The Old Victrola", Alan Licht se sirve de la ayuda de los samples de Captain Beefheart,"Well", y Donna Summer,"Dim All The Nights" (la aparición de éste es sin duda alguna una marcianda brutal, para entregar una estampa de drones y reinvenciones sónicas de chaladura cósmica.Si es que hasta reinterpreta "Well" en clave casi gospel al final del disco.Vamos, menudo chapuzón.

Y todo este macarrismo en un artista de noise como Alan Licht, siempre está presente y es algo de agradecer dentro de una escena que tiende al hermetismo y a el exceso de seriedad. Pata negra Alan Licht,que lo sepais.

Donnacha Costello : Together is the New Alone (Mille Plateaux,2001)

Otro de esos discos maravillosos y de culto de la escena electrónica de la pasa década fue la continuación emocional de "Growing Up in Public" y sigue siendo a día de hoy uno de mis discos favoritos.En este disco fija su mirada en el ambient glitch de ilustres figuras como Oval,Ikeda,Nicolai,... pero con una portada así,casi de cantautor pop de radiofórmula hay algo que inquieta. Y realmente,lo que perturba es un inicio tan fantástico como "Slowly Sinking In", para luego creer que estás por los prados caleidoscópicos de Boards of Canada en "Awake on the Fifth Floor", donde la melodía se muestra y se esconde jugando con esa sensación en tus oídos y masajeando tu cerebro. Donnacha Costello construye y edifica con parsimonia pero tiene muy claro en todo momento lo que va a hacer.

Es imposible no resaltar todos y cada uno de los fragmentos de este disco, pero es en su conjunto más que la suma de las partes. En una época donde el indie ya dejaba de ser independiente o demasiado comercializado para ser underground y un público de la electrónica cada vez más amplio y demandando nuevas propuestas no solo para el cub,si no para la privacidad de las habitaciones y la soledad encontrada o buscada, según el caso, todo este tipo de referencias sin ser una novedad si que se veían en auge. Por otro lado, la democratización de la creación musical al poder convertir al ordenador en otro instrumento gracias a los múltiples programas que iban apareciendo y la funcionalidad creciente de los mismos. Hay de todo en este universo, primero el glitch,luego la IDM,pero siempre el ambient y la experimentación como punto de partida.

"Together is the New Alone" es un disco que sobrepasa todos los márgenes de pertenencia de una escena para pasar a ser patrimonio musical. Toda la emotividad escupida por los loops de "Your New God" , "The Empty Feeling" o "Nothing Still Nothing", aún permanecen intactos y consigue enamorarte como Tim Hecker o Pimmon, como el maravilloso final de "Always A Part". Pero, algo que rozaría la perfección pop e ideal para lo cinematográfico es "Dry Retch".Una maravilla. Tuvo una especie de continuación con " To Thee This Night (I Will No Requiem Raise)", que se editó en el "Pop Ambient 4" de Kompakt, y que supuso una especie de punto y aparte para adentrarse en terrones propios del club con las magníficas "Colorseries".

James McNew: That Skinny Motherfucker With the High Voice? (Shrimper,2001)

James McNew, es fácilmente reconocible por su trabajo al bajo en Yo La Tengo, pero en solitario tiene algunos discos de lo más apañados y como no, entrañables. Hay algo en el aire que respiran estos señores de Hoboken que les hace ser entrañables e irresistibles. Este disco, además se enmarca en la cima de refinamiento de Yo La Tengo, el año que publicaron "And The Nothing Turned Itself Inside-Out", que independientemente de la apreciación si es su mejor disco o no, se ha demostrado que fue el momento donde consiguieron refinar su sonido de la manera más definitiva y desde entonces, no han podido entregar otro disco esencial pese a mantener el tipo de sobra en sus distintas entregas. Aunque hubo una versión inicial en formato cinta en 1998, con la mitad de los temas en formato cassette.

James McNew, también entregó su disco más refinado dentro del destartalado mundo de Dump, con regusto en sus anteriores y deliciosos "I Can Hear Music"(1995,año de "Electro-Pura") y "A Plea of Tenderness"(1997,año de "I Can Hear the Heart...), donde jugaba con composiciones propias y variadas dentro de los discos, hijos de un sonido de bajo presupuesto pero de alto entretenimiento. Pero el remate lo puso con este disco de versiones de Prince, repasando en distintas claves canciones del innombrable artista de funk. Ya el título, es una auténtica parodia acerca del nombre de Prince.

El disco, desde el inicio exhibe una mayor contención de ideas y un mayor refinamiento, que le hace estar especialmente acertado durante todo el disco, regando con su voz un halo de ternura y la sensación de experimento entrañable fuera de toda duda.Pero, estos adjetivos no son dichos con ánimo lastimero. Están orientados a la admiración que provoca este material cada vez que lo escucho.Porque se puede perseguir a Daniel Johnston. Pero jugártela con "1999", canción del disco homónimo del 82 y hit clásico, remodelándola a un maratón neo psicodélico donde juegas en una liga cercana a la Beta Band u Olivia Tremor Control,al aire casi Lou Barlow en "Raspberry Beret", esta de un disco de Prince junto a The Revolution de 1985,con baterias distorsionadas y teclados psicodélicos y el aire chulesco Bo Diddley meets Cramps en la tremenda "Erotic City",cara B tremenda de Prince en versión extendida.

El toque dulce se mantiene en "Pop Life, "The Beautiful Ones","When You Were Mine",...pero es con "A love Bizarre","Dirty Mind" y "Girls+Boys" con las que le mete una producción de experimentación casera y electrónica que puntua muy alto.En resumen, un disco sin complejos y muy recomendable.