Dickon Hinchcliffe - Red Riding: In The Year of Our Lord 1980 (Blackest Ever Black,2013)

La salida de Dickon Hinchcliffe de Tindersticks fue un auténtico cisma. Desconozco como fue aquella reconversión por parte del grupo, los motivos y si las amistades siguieron intactas o no después de la partida del violinista, que jugaba en cada disco un papel cada vez más definitivo. Buena parte de la magia de Tindersticks recaía en la composición de los arreglos para aquellas canciones inmarchitables que firmaron una trilogía de creciente opulencia en cuanto a sonido y exuberancia en los arreglos.Obviamente acompañado por la figura de Stuart Staples y la compañía implacable de Fraser y Boulter (guitarras y teclados, principalmente), firmaron obras eternas en aquella trilogía, hasta que aquella entidad desapareció tal y como la conocíamos tras un más que notable "Waiting For The Moon" (2003). Los caminos separados que han tomado son de sobra conocidos por parte de Tindersticks, pero la obra de Hinchcliffe creando scores firmados en nombre propio ha ido ganando en peso e interés. Universo que para los seguidores del grupo de Nottingham no es novedoso al encargarse habitualmente de las bandas sonoras de Claire Dennis, una forma en que la directora que ya participó en algunas películas como asistente de dirección de películas de gran calado y con unas excelentes bandas sonoras como "Paris,Texas, "El Cielo Sobre Berlín" o "Down by the Law". Tras la separación los de Staples siguen entregando scores para Claire Dennis, pero Hinchcliffe no se ha quedado quieto precisamente al participar en la banda sonora de la recomendable "Winter's Bone" o como en este caso, la parte de la trilogía que bajo el nombre de "Red Riding" aparecieron en 2009. Películas también muy recomendables para los amantes de géneros como el cine negro, thriller y maldad costumbrista de "Straw Dogs" o "The Wicker Man".

Para el segundo episodio de la trilogía, "Red Riding: IN The Year of Our Lord 1980", pone música a la oscura y confusa trama dirigida por James Marsh (director de la tremenda "Man on Wire"  de 2010) que protagonizaba uno de los actores/directores más estimulantes del cine inglés: Paddy Considine. Ambientada en Yorkshire y en el sectarismo del norte encabezado por corruptos representantes policiales y descorazonados empresarios, surge una trama de asesinatos y perversiones que la música de Hinchcliffe se encarga de potenciar hacia una descorazonadora persecución del personaje principal en la que se ve encuelto en confusos sucesos, sabotajes diversos y tensiones con su pasado en la que se cuelan recuerdos infantiles que bajo el título de "Christmas" en la banda sonora, me lleva a "Waiting For The Moon" de Tindersticks y a su corte titular, al cual pertenece su música aunque en esta ocasión la voz baritona de Staples ha desaparecido. Es uno de los pocos momentos de respiro en la banda sonora, que se inunda de tristeza y vacío en cortes como "The Ripper", "The Moors", "Five Men Five Guns" o "Peace at Last", variando la instrumentación a las mismas composiciones para buscar el efecto en pantalla deseado, como aquella monstruosidad creada en "Trouble Every Day". Es una mezcla entre sentirte entre las sacudidas de nocturnidad crooner que solía entregar en Tindersticks y al mismo tiempo, tiene ese toque campestre de Warren Ellis (The Dirty Three) o Richard Skelton. Una reedición a la que le agradezco su música y también, el haber descubierto esta trilogía más que interesante.

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The Mount Fuji Doomjazz Corporation - Succubus (Ad Noiseam , 2009)

La última vez que la vi recuerdo que me dijo: ¿si pudieras, en qué objeto transformarías esta música?

Al rebufo de la anterior: The Mount Fuji Doomjazz Corporation is the live improv alter ego of The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble

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Sandra Electronics - Live in Santa Barbara 2009

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Reagenz : Playtime (Workshop,2009)

Una curiosa y sorprendente historia, no por ser más contada, va dejar de serlo. Jonas Sharp y David Moufang, debutan en 1994 con un disco homónimo después de coincidir en un concierto de Autechre en San Francisco y, supongo que por su conexión al sello Fax, Jonas Sharp publicó como Alien Community y David Moufang bajo su nombre propio y después como Move D, entre otros alias que ha tenido el bueno de David.

Después de trece años se reencuentran en Tokio y de nuevo en un show de Autechre. Y estaba claro, deciden crear un nuevo disco y deciden refugiarse un par de dias en un estudio de grabación de un japonés apasionado del coleccionismo de sintetizadores. Pero esta vez con toda la experiencia y todas las referencias que llevan a sus espaldas, sesiones y visión del mundo de la electrónica desde un primas más maduro.

"Playtime" se grabó entre San Francisco y Alemania durante 2008 y el año pasado cuando llegó a mis manos fue una maravillosa revelación. Un disco donde sencillamente se destila una sutileza que roza lo sublime, desde el inicio con "Dinner With Q", con un bajo funky acompañado de una leve melodía de guitarra acústica que podría atufar a chill, y eso es algo que siempre se dice para mal, pero están inspirados y dibujan paisajes sonoros donde el ritmo y los efectos de los distintos sintetizadores del estudio japonés, que hace pensar casi en Lindstrom. Pero ya te enganchan a ritmo de house con "Dj Friendly Rmx", en un disco que no se distingue precisamente por lo bailable de su propuesta ,que solo vuelve a repetirse en la tremendamente deep para amantes de Omar S o Moodyman como es la fenomenal "Keep Building". Pero el rasgo fundamental es lo disfrutable que supone escuchar un disco con una sensación tan mística fomentada por la cantidad de pequeños efectos y melodías que aparecen sutilmente y se desvanecen aleatoria y caprichosamente, como es el caso de "Shibuya Day" o el jamaicanismo de "Freerotation". Lo más cercano a ser fans de Autechre se puede rastrear en "Confidence" .

Pero este "Playtime" cierra con toda una oda ambient de casi veinticinco minutos como es "Du Bist Hier!", para terminar de confirmar la sensación de experiencia aural dulce ,pero que engaña. Este disco, tiene una carga de experimentación con distintos sonidos vintage que podía equipararse a su carga house,por lo que no estamos ante una simple exposición de hedonismo con ritmos sobrados de caramelo y bajos musculosos. Aquí , hay más cera de la que arde. Aquí, hay un señor disco de electrónica experimental. Eso si, mas disfrutable de corazón que de cerebro.

Greg Malcolm : life on it's way(from album "Leather & Lacy",2009)

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Greg Malcolm es un guitarrista neozelandés que durante estos años, ah ido entregando a cuentagotas grandes discos y algunas colaboraciones como con Akiyama o Chadbourne o con autóctonos como Bruce Russell (The Dead C) o Campbell Kneale (Birchville Cat Motel,. Esta interpretación corresponde al punto final del disco "Leather & Lacy", formidable disco que junto "Swimming It" (2005) son los que más he escuchado y a los que,de vez en cuando,suelo volver. Correspondiente al directo en el Wellington Jazz Festival en 2006, donde reinterpreta composiciones del maestro del jazz de vanguardia Steve Lacy.

Su forma de interpretar estas canciones con dos guitarras modificadas en sus pies y otra tocada de forma convencional, es realmente inquietante, pero con un resultado realmente sorprendente, por lo fascinante de su sonido y no por lo extraño del asunto.Aunque, desafiar lo convencional debe ser algo presente en nuestras vidas. Y espero que Greg Malcolm siga con discos como éste,reglándonos los oídos.

Monarchy : Gold in the Fire

Para un sábado noche siempre va bien ir calentando ánimos con synth pop,electro pop y todas esas cosas que toman matices melancólicos con la llegada del otoño. Monarchy(myspace) son, aparentemente, un duo londinense que con esta redonda canción sirven de perfecta excusa para recordar a bandas como Hot Chip,Kelley Polar o Junior Boys, con unos segundos iniciales que trae a mi mente el "township funk". El caso, es que se sacuden un hit instanáneo que no sabes porqué,pero te hueles a que va a ser pinchado y conocido en unas pocas semanas por muchos de los que gusten de estos sonidos.

Es pop,al fin y al cabo.Necesario cuando necesitas simplemente tararear algo y despreocuparte del fondo,pero obligatorio cuando el cansancio hace factura."Gold in the Fire" (mediafire)es una canción simplemente redonda.

Estos aún no sabemos si gozaránde reconocimiento y rios de tinta como otros grupos este año, como por ejemplo The XX. Su disco de debut,está causando adhesiones y repulsas por partes iguales. Cíñéndonos a lo musical, el disco no es nada nuevo bajo el sol.Una versión inglesa de Death Cab for Cutie con una mirada alejada del indie yanki y más cercana al R&B o pop británico de recuerdos Cure. Cuando se les pone al lado el nombre de Young Marble Giants,dibujo una sonrisa. No es lo mismo, aunque se les trate de comparar por una propuesta de escasez instrumental en sus canciones."Colossal Youth" pertenece a otro territorio.

El caso, es que sus canciones son redondas, con el punto melódico y melancólico ideal que unido a la parquedad, no satura.Con su juego vocal pimpinelistico y sus letras de desencanto juvenil son una combinación ganadora. Como lo podría haber sido the Go Find o American Analog Set. Pero les ha tocado a ellos, recibir más cobertura mediática. Que no debe afectar para escuchar un disco bien hecho, con buenas canciones.Además se añaden una remezcla para Florence & The Machine de la versión que hacen del "You've Got The Love" de The Source con Candi Staton (original que bebía del "Your Love" de Frankie Knuckles, como también el "My Girls" de Animal Collective) y de su versión relajada del "Do You Mind" de Paleface.

Al fin,algo que no hay que darle más vueltas.Pop y punto. Puede gustar más o menos,según los gustos personales de cada uno, pero tampoco hay que acribillarlos por tener la suerte de recibir cobertura mediática.

Otros que también, beben de una cantidad exagerada de elogios escritos son Fuck Buttons. Los emos del noise.Su disco "Tarot Sport" , es un disco que especialmente me resulta difícil encontrarle encanto. Quitando el tema inicial "Surf Solar", que aunque rezuma una pompa épica digna de película grandiosa e hiperpublicitada, y pocos momentos más, el trance sónico pomposo al que intentan inducir se me hace particularmente insufrible. Que está detrás de los mandos Weatherall, no sabes que lectura darle. Que podía ser peor de no haber estado, seguramente.Pero en líneas generales, toda esa pompa me resulta engorrosa e inflamada como un mal picotazo. Prefiero algunos momentos del "Octuplex" de Astral Social Club,discos de Boredoms o Sunroof! ,para cuando necesite cierta épica sónica.

Todos tenemos nuestros gustos y diferentes opiniones.Esta es la mía, con todos mis defectos y virtudes, en caso de que importase claro.

The Necks : Silverwater (Fish of Milk; 2009)

Es fácil enamorarse de Abrahams,Swanton y Buck. Su música vive y viaja perenne a lo largo del tiempo. Desde "Sex",1989, ha llovido mucho y su vigencia es la misma. Las texturas que manejan en sus improvisaciones , directos y discos de estudio cada vez han ido volviéndose más complejas y de evolución lenta y firme. Su discografía con el paso del tiempo va ganando en matices y en logros mirándolo con perspectiva. Y al final, todo sigue resultando una experiencia sensorial, de vistas exóticas,melancólica armonía,submarinismo auditivo o cualquier denominación posible a una banda imposible. Teniendo un poco de cada música (jazz,fusión,ambient,kraut,banda sonora,minimalismo y vanguardia) y resultando que ninguna predomine.

"Silverwater", es el nuevo trabajo de estudio después de "Chemist"(2006) y la grabación en directo de "Townsville"(2007). "Chemist", fue un giro evidente en la música de los Necks al introducir los sonidos de la guitarra eléctrica y atmósferas mas propias del drone ambient característico de bandas como Stars of the Lid,Labradford o Windy & Carl (o gran parte del catálogo de Kranky),unido a unas estructuras mucho más definidas . "Silverwater" supone en parte, una ruptura con esa formalidad.

Al igual que una ruptura con sus discos de un solo corte de larga duración, lo más usual en su carrera desde "Sex" al último "Townsville". Eran piezas de largo recorrido que partian de una idea de origen y evolucionaba sutilmente nota a nota. La belleza que tienen todos estos discos es realmente emocionante. "Silverwater", se convierte en una suerte de "Visitor" de Jim O'Rourke, aprovechando lo reciente que está en la memoria. Una sucesión de ideas y pasajes, ensamblados en un único conjunto. Y se puede rastrear, toda la discografía de los Necks en un solo disco.Pero la gran novedad, es la presencia leve de interferencias de electrónica .

En conjunto, "Silverwater" mantiene la fascinación y sabe a gran disco por partida doble. Por un lado, un disco sublime a la escucha, independientemente de más lecturas que se le quiera hacer.Rico, dinámico,exhuberante,brillante y todo comentario que sirva para rodearlo de laureles y parabienes. Meritorio,porque empieza como cualquier disco con su habitual sonido y acaba maravillando y mutando en muchos fragmentos.

Se me antoja imposible ponerle pegas a este disco, su evolución es lenta y pausada pero conservan toda la esencia y exclusividad en su propuesta. Siguen siendo un oasis en medio de ninguna parte.Siguen siendo maravillosos y que siempre sea así. Sublime.

Thomas Köner : La Barca (Fario ; 2009)

Queda más lejos hablar de Mille Plateaux, donde publicó su último "Zyklop"(2003), que de Porter Ricks y la presencia del techno dub escuela berlinesa en este final de década. El bueno de Thomas, sigue con sus experimentos sónicos apartados del club, dibujando paisajes a través de los destinos por los que nos conduce "La Barca", editado en un sello francés llamado Fario (me encanta el nombre) donde han publicado otros abonados a la causa ambiental como Rapoon, Steve Roden o Francisco López. Este trabajo, por el sentido que toman las grabaciones de campo no lo convierte en "world music", es música que remite a paisajes en cada uno de sus doce movimientos , en los títulos divididos en horas, y que los títulos se muestran como coordenadas geográficas.

Por ejemplo, el segundo corte corresponde a Niza(43° 42' N 7° 16' E ) , por el Boulevard Victor Hugo (eso indica la coordenada más o menos) hay voces hablando en francés, el sonido del tren pasar, el sonido de un saxo,...Venecia (45° 26' N, 12° 20' E ), hasta La Palma de Santa Cruz (28° 41' N 17° 45' W ) con niños revoloteando,gritando -"diego cabrón,hijo de p***"-, unas señoras conversando del calor,...

Todas estas localizaciones, dentro de la peculiaridad que le otorga a cada una, están construidas sobre andamiajes sonoros glaciares. Hay hasta momento eclesiástico, en las coordenadas 41° 53' N 12° 29' E , que lleva a Roma. Igual a una basílica.Damasco,París,El Cairo,archipiélago Svalbard en el oceano Glacial Ártico,... Recorrido que se nutre de sus sonidos pero que no sirven solo como reclamos étnicos, simplemente ayudan a dibujar el concepto de un disco de ambient. Le da un toque exótico,humano,pero que en realidad es un pequeño aliciente dentro de la formalidad de la propuesta.


Encantado de su vuelta, discográfica y a la que me he dado con "La Barca".

Hope Sandoval: Through The Devil Softly (Netwerk ; 2009)

Al igual que el bueno de Jim O'Rourke, Hope Sandoval (hay que recuerdos de Mazzy Star, como te pudiste enrrollar con un Reid hija mia) vuelve después de ocho años en silencio. Tiempo de espera a una secuela al tan precioso "Bavarian Fruit Bread" (lagrimita cayendo recordando "Around My Smile", "Suzanne" o "Charlotte") donde se hacía acompañar por Colm O'Ciosoig (My Bloody Valentine) como The Warm Inventions. Disco magnético, sin duda alguna. Con el paso del tiempo y la resignación de esperar en balde una secuela, el disco ha ido tomando más sabor y ya queda como uno de los discos mágicos de principios de década.

Este segundo album, transmite las mismas sensaciones que el antecesor aunque con matices distintos. Aquí las canciones, aun siendo igual de fantasmagóricas y etéreas por su voz, aparecen sustentadas en una instrumentación más contundente.Desde "Blanchard" , pasando a "For The Rest of Your Life" o "Trouble"(que me recuerda a algunas canciones de Mazzy Star más (blues)rockeras),al punto acústico de "Lady Jessica And Sam" a lo Nick Drake o Bert Jansch."There's a Willow" tiene un aire cercano al debut,"Fall Aside" me recuerda a aquella colaboración con Death In Vegas y te cierra con dos delicias: la reposada y country "Blue Bird" y la fantasmagórica "Satellite" (es lógico que a algunos nos recuerde a aquella canción de "Cabeza Borradora" ).

La vida a fuego lento, no se si sabe mejor.Pero en algunos casos, sabe muy bien.

Heather Woods Broderick : From the Ground (Preservation; 2009)

Este año el sello Preservation, no solo nos ha devuelto a Pimmon sino que, nos ha entregado uno de los debuts de más bonitos del año. Heather Woods Broderick, hermana de Peter Broderick (Grouper), dibuja en los 43 minutos de "From The Ground" pasajes de folk de delicado y reposado en bonitos detalles en la producción, que da a cada canción el arreglo de viento, piano, percusión, emoción y misterio que necesita. Me recuerda a ratos a la placidez country de Cat Power, a la camaleónica Mirah, pero esencialmente a Hope Sandoval (que también volvió este año con otra joya de fuego lento como "Through the devil softly").

Es un disco adictivo, ahora que entramos en el otoño. Además, sabe conjugar los puntos más melódicos y tradicionales del canon de americana indie con los elementos de misterio y sombra más ambientales. Su voz juega pausada y estira las atmósferas en determinados momentos para darle un tono más íntimo y resguardado al asunto, por ejemplo en "For Misty". Tiene más puntos en común con Windy & Carl o Stars of the Lid (pienso en The Dead Texan) que con Alela Diane. Nombre que me vino a la cabeza cuando escuchaba el disco ,el de Alela digo. "The Pirate's Gospel" fue un disco precioso, íntimo y muy acertado (cosa que después no mantuvo) y este "From the Ground" me transmitía las mismas sensaciones.

Pero claro, aquí se acompaña de Efterklang y de componentes de otra banda donde está implicada: Horse Feathers. Pero se nota que ha sido grabado por su hermano Peter, un auténtico conocedor de estas lides de folk melancólico de lánguidos arreglos.

Efterklang, que en disco nunca me llegaron a enganchar demasiado lo debo reconocer, aquí hacen un trabajo de acompañamiento a la altura.Y la verdad, es comprensible que te vengan a la cabeza sensaciones parecidas a aquel "Finally We Are No One" de múm (por el lado pop claro, no por el de IDM),por las coordenadas geográficas.

En esencia, es un disco muy equilibrado y redondo que podrías recomendarle a muchos amiga/os y tocarles la fibra sensible,al menos durante una hora.

Peaking Lights : Imaginary Falcons (2009, Night People)

Aaron Coyes junto a Indra Dunis son otros de los enamorados por las bajas fidelidades sonoras. "Imaginary Falcons" es un disco hermoso y como no, surrealista. Desde la intro exótica que te abre las puertas del disco a "Silver Tongues, Soft Whispers", una tema que me recuerda a Mice Parade atiborrado de narcóticos flotando en una piscina a la medianoche. Guiñan a la escena en el título de "Owls Barning", aunque comparten muchos puntos en común en cuanto a sonido."All the Good Songs Have Been Written" es como si se grabase a Spacemen 3 en su local de ensayo detrás de la pared.


Pero si por una canción este disco debería salvarse (aunque en líneas generales es un disco muy aconsejable) sería "Wedding Song". Una excursión que se pegan con Sun Ra por el western. O algo así. Algo que sugiera psicodelia.


Muy sugerentes y album completamente recomendable .

Matias Aguayo : Ay Ay Ay (Kompakt; 2009)

¿Basta ya de minimal,Matias? Lo tenía clarito la criatura. Ese single, parece que le encendió la bombillita al chileno. Este año volvió con "Walter Neff", dentro del recopilatorio Kompakt 10, y sonaron las campanas de nuevo. "Rollerskate" ,como single de adelanto ha terminado de espolear las ganas de escuchar este "Ay Ay Ay" desde hace alguna semana.

Las razones estaban en las voces del single de adelanto, usando distintas tomas de su voz, procesándolas para crear ritmos y melodías para construir sus canciones. El tono desenfadado del disco, lo convierte en una especie de (p)arty-funk. Con ritmos afro beat en "Ritmo Juarez" y "Koro Koro" . Esta última, podría ser una canción de Animal Collective o Panda Bear perfectamente. Puede que el "Township Funk" de Dj Mujava le ha calado también. el Parece difícil, volver a hablar del minimal. Pero, también baja las revoluciones de sus canciones como en la titular "Ay Ay Ay" para sacarse de la manga una especie de dub jamaicano imposible con tintes latinos. Claro, es que es chileno. Así se explica "Juanita". Cierre perfecto a un disco desengrasante.

Matias Aguayo siempre ha tenido este poso funkorro desde su debut en "Are You Really Lost"(2005), pero ahora consigue acercarse a un punto más Herbert, como por ejemplo aquel del "Ruby Blue" de Roisin Murphy y nada tiene que ver con el tedio del "Medulla" de Björk. Esta vez las voces son el elemento conductor, antes estabn presentes pero ahora son las que hilvanan el sonido del disco. Producido junto a Vicente Sanfuentes, activo personaje chileno conocido como Original Hamster o que colabora con Uwe Schmidt bajo el nombre de Surtek Collective, Matias consigue hacernos reir y bailar. Este disco alegrará la primavera, obviamente por debajo del ecuador.Pero eso ya son, otras movidas.

Mordant Music: SyMptoMs (MM035 ; 2009)

Ian Hicks, también conocido como Baron Mordant, decide seguir moviéndose entre la niebla en el nuevo disco de Mordant Music , no participa esta vez Gary "Admiral Greyscale" Mills , volviendo a llevar de la mano al oyente por una experiencia realmente fascinante.

"Dead Air", en 2007, sigue aumentando su poder de absorción cual agujero negro en el cosmos. Nos meten por una cantidad de jardines que me hacen ver en este disco, la pesadilla mojada de Boards of Canada ahora mismo. Manejan el buen gusto y la fluidez con sencillez. Su música remite a las telarañas, pero desde el misterio. No entra mucha luz por la ventana, pero no hay peligro. Las tinieblas te rodean, pero no te confunden.

"SyMptoMs"(2009), es un disco regado por las mismas sensaciones pero abrazando nuevas formas. "Where You Can Scream", es casi una narración con aires tradicionales deambulando en ecos y solemnidad, como si se apoderase el espíritu del primer Vini Reilly de él. Abierta la brecha, "Pissing in Sinks", enciende el entramado electrónico para ir enredándolo con su voz en "Belgian Blues" , la industrial "In Truth is Wine" , Depeche Mode pastando con Harmonia por "Hey, Volte-Face!"o la marcial "SyMptoMs", como si Underworld volviera a estar en forma. En el disco, predominan las canciones pero siguen habiendo huecos para volver a ese toque de bandas sonoras de series televisivas del pasado "(0) CoMMents", que se alimentan recordándonos el krautrock "Another Uncompleted Dome" o a Plaid, en la final "Terms & Conditions".

"SyMptoMs" le da luz a "Dead Air" y se queda suspendido en el limbo. Poco puede hacer uno para no dejar de escuchar este disco durante dias.La electrónica, ha seguido su evolución durante las últimas décadas. Ha ido creciendo en peso y estilos. Es muy difícil saber disociar con certeza. Estos discos,recuperan multitud de estilos sin parecer asaltadores de tumbas. Manejan con oficio la electrónica. Algo, que parecía casi atribuído al mundo del pop/rock. Porque,¿cuántas veces hemos leído, aquello de "disco de un cantautor con oficio que sabe manejar todas las influencias de ..." ? Aquí,pasa un poco lo mismo pero es un campo que no está demasiado explotado. En resumen, un disco genial a mi gusto.

*Muy recomendable, hacerse con el single "SyMptoMs/I'm not Your Mate,Mate" (MM034), tremenda cara B y sin ninguna excusa, el recopilatorio mano a mano con Shackleton "Picking O'er Bones". Y ahora, con mirada de señor Burns digo: excelente...

Linkwood : System (Prime Numbers; 2009)

Nick Moore, debuta con una fiesta por todo lo alto. Un disco de house que bebe del funky, soul,jazz,disco,Chicago,Detroit, deep house y bla bla bla. El disco es una auténtica maravilla, vaya por delante. Viene siendo ya una tendencia en los últimos dos años ver de nuevo la importancia del house, después de una década que empezó con el microhouse (Isoleé,Luomo,Villalobos,...) y acabó tomando derroteros IDM,Minimal Techno,Dubstep,Techno dub,.. y ahora volvemos al house funky y jazzy. Aunque con los ingredientes propios de nuestros tiempos.

"System" sin lugar a dudas, desde el inicio mira a la pista de baile a cañonazos: "Robot Parade" ,como el título indica una auténtica oda al retrofuturismo y a la ciencia ficción (y me recuerda un poco al inicio del "DeadRinger" de RJD2 en "The Horror",donde saqueaba el "Hey hey" del First Moog Quartet), la deliciosa "Tears"con Reggie Watts tan playera y con esos teclados jazzys que te sumergen en la orilla de cualquier playa con un buen mojito o "Falling" con sus aires disco funky para perder las cinturas en plena fiebre del sábado noche. La parte final , no es que se quede coja con "Fudge Boogie"(el moog, en esta y "Robot Parade" es cosa de un nombre que siempre acompaña a Moore, Fudge Fingas) ,"Chicago" o "Electricity". Mientras se reserva en la titular, "System", un toque dub que tan justificado está ,después de que se reeditase el single "Miles Away" (entonces como Linkwood Family) con una remezcla descomunal de Intrusion.

En resumidas cuentas, un señor disco.De lo mejor que se puede escuchar en 2009 para cualquier amante de Juan Atkins o Derrick May.También para los que alucinen con Floating Points y Theo Parrish.O los que se quieran pegar un fiestón in/justificado,que puñetas.

Richard Youngs : 2009's View

Que cierto es aquello de "los dias pasan muy despacio y los años muy deprisa", en muchos artistas o grupos que seguimos. Tal vez, esto sea válido con artistas con una periodicidad en sus trabajos de digamos , tal vez, dos años. Con Richard Youngs, uno no sabe muy bien cuando edita o deja de editar cosas nuevas, ya sea desde su sello(No Fan Records), colaborando con distintos artistas o bajo su nombre propio. Porque , con tanto ajetreo, se nos puede olvidar que con la tierna edad de 23 años debutó con "Advent"(1990), un soberbio debut más cercano a la vanguardia que al folk de campiña que ha ido destilando progresivamente bajo su nombre propio. En 2009, sigue evolucionando su concepto del folk, pero una evolución menos marciana que en otras ocasiones y si más amable aunque no por ello menos exigente.

Además se acrecenta esta sensación de plenitud, en diversos formatos. Por un lado, para Sonic Oyster (sello de otro amigo y colaborador, Andrew Paine, con el que también edita un disco este año "Earth Rod") entrega un disco de canciones "Beyond the Valley of Ultrahits" y, para Dekorder, entrega la parte instrumental del asunto "Like A neuron". Además, termina de completar con dos singles "High Sun Energy" (en su vena más ruidista) y "Sleep Deprivation" (que no he tenido manera de encontrarlo).

Cada vez que suena "Beyond the Valley of Ultrahits", vuelven a tus oidos aires de verano y te hace recordar, la permeabilidad de su música. Decidido a mostrarse en su versión más amable y pop, te hace girar la cabeza menos hacia Jandek y tal vez, mirar más de cerca a Arthur Russell. Ambos comparten, esa voz quebradiza y frágil que huye de ser académica por ser emocionante (aquí podemos encontrar ejemplos tan enormes como Daniel Johnston o Robert Wyatt). Lo de Russell no es casualidad, ya que comparten en este disco un acercamiento a la electrónica en sus composiciones, donde pasear su imperfección vocal y , tras repetidas escuchas dejarte hipnotizado y convencido de su maestría. La percepción de este disco sigue siendo única, pese a ser un disco de pop.Tiene ese algo inconfundible en Youngs, que avanza conforme el signo de los tiempos despojándose de capas y reconvirtiéndose a la coyuntura. Este disco es soberbio y explica, en buena parte "Like a Neuron".

Mouse on Mars, Animal Collective,Sunroof! o Black Dice, son solo algunos ejemplos de la utilización de patrones repetitivos y de procesadores de ruido con un fin mucho más colorido. Este año, Youngs también colaboró con Astral Social Club, Neil Campbell colaborador habitual, en "Octuplex" (VHF;2009). Discos de electrónica colorista, que bebe del ruidismo y de una maraña de teclados para crear una maraña psicodélica que reproducida en bucle te deja en la inopia. Es una manera menos sombría y solemne a la que nos tenía acostumbrados en sus discos de folk minimalista a veces, ruidoso otrás, pero siempre personal. Después de veinte años, sigue siendo parte de la vanguardia de su momento y sabiendo tener su trabajo un aroma propio.

"Like a neuron" viene a completar la perspectiva de un artista que este año, consigue seguir dando muestras de genialidad. Como en "Sapphie", "Airs of the Ear", "River Through Howling Sky","The Naive Shaman",todos esos discos que empezó a sacar en su vena cercana al folk británico de los 70.

Califone : All My Friends Are Funeral Singers

Califone ha tenido que sufrir un largo camino, donde han tenido que desprenderse cenizas del pasado (Red Red Meat) y confirmarse paso a paso como uno de los proyectos más importantes de re/de-constructores de la música tradicional norteamericana. Algo que llevaban sembrando desde sus primeros trabajos que les llevó a iniciar una trilogía que empezaría en "Quicksand/Cradlesnakes" (2003) que dotaba de coherencia y empezaba una nueva andadura donde la precisión y acierto guiaría sus pasos hasta "Heron King Blues" (2004), un disco mucho más arriesgado en lo sonoro y con temática conceptual. Pero en la corona faltaba una joya que va a quedar como uno de los mejores discos de esta década "Roots & Crowns" (2006). Un disco que unía la perfección de las canciones en un delicado y minucioso acabado sonoro formado por multitud de sonidos que Tim Rutili fue grabando durante este tiempo, así dotaba al disco de una riqueza de detalles en lo sonoro,labor de Joe Adamik,Jim Becker y Ben Massarella, apoyada por perfectas canciones y una cada vez mayor diversidad de instrumentos y sonoridades que flotaban en cada una de las composiciones. Inmortales, además "Spider's House" y la versión de Psychic TV "The Orchids".

"All my Friends Are Funeral Singers" cuenta con las mismas virtudes de todos los anteriores discos y quizás los condensa a todos. Vuelve a contar con la presencia de Brian Deck tras los mandos y saben perfectamente hacia donde deben guiar sus pasos. Esta vez, el disco es creado como banda sonora para apoyar una película donde ellos toman parte. Rutili, ya se acercó al mundo de las bandas sonoras mientras grababa "Roots & Crowns", creo recordar. Califone campan por terrenos donde alguna vez quisieron ahbitar Wilco,pero que desde "A Ghost is Born" parecen haber eludido en favor de un cómodo status. A Califone,a cada nueva entrega les pedimos más. Y ellos siguen entregando notables discos, cada vez más refinados. Hay canciones que beben de todo tipo de percusiones y recuerda al trabajo de Tom Waits que inició en "Swordfishtrombones" y ellos han sabido tomar prestado en muchos de sus discos, sonidos tradicionales del banjo o suaves secciones de cuerda y el entramado de pequeñas filtraciones electrónicas.

Todo el disco se basa en una coherencia a la que ya nos llevan acostumbrando y parece que ahora les ha llegado el momento de gozar de un mayor reconocimiento. Cada vez ganan más adeptos,pero no pierden ningún seguidor.Además lo hacen sin comprometer la exigencia de su obra.Sigue siendo una visión arty de la tradición norteamericana,pero ellos ya se han convertido en un referente en cuanto a sonido.Al igual que hablamos de Yo la Tengo o Sonic Youth, tenemos muy claro como es el sonido Califone.Y también , que sus discos son excelentes. A veces pienso, que no nos los merecemos.Ovación.

Flaming Lips: Embryonic (2009)

No seré el primero en agradecer las bondades del primer disco doble de los Flaming Lips ("Zaireeka" fue cuadruple),banda que parecía que nos tenía abandonados desde aquel paso de gigante que supuso "The Soft Bulletin" (1999) y que marcó la nueva época de una banda que supo encontrar nuevas vías de expresíon después de un disco tan redondo como "Clouds Taste Metallic"(1995)y que el tiempo ha demostrado que supuso el perfeccionamiento y agotamiento de su forma de componer.

Tras el experimento y nueva dirección del anteriormente mencionado "Zaireeka", la mano del ya habitual detrás de los mandos Dave Fridmann (bajista de Mercury Rev y afamado productor comparado con Spector desde "Deserter's Songs" y bandera de la madurez del indie psicodélico) tomó el mando de un exagerado "The Soft Bulletin" que tomó prestada la locura del "Pet Sounds" unido a las visiones espaciales y metafísica de un Wayne Coyne, las baterías distorsionadas de Steven Drozd (fundamental desde que se incorporó a la banda hará ya unos 15 años) y una muralla de sonidos que revoloteaban en un disco imposible.

"Yoshimi battles the Pink Robots" fue una secuela digna,más centrada en dotar de melodías y una estructura donde cobijar a las canciones.Refinarse,digamos. Cosa que se hizo insufrible en "At War with the Mystics"(2006).

Personalmente, me costaba volver a pensar que volverían a engancharme.Pero se advertía desde el single de este verano "Embryonic ep", donde "Convinced the Hex" con un pulso a la batería a lo Silver Apples y con la brillante "Silver Trembling Hands" como motivos para despertar inquietud en conocer el nuevo trabajo al completo.

Sin reinventarse, vuelven a potenciar lo que realmente les hace únicos.Y es precisamente el toque marciano de su música, de su producción detallista y bizarra, de esos momentos de dulce melancolía, de ser un caramelo relleno de ácido, de mostrarse chalados e hilarantes. Despreocupados y concisos. Durante todo el disco dan muestra de todos sus logros.Amor,muerte,religión,visiones planetarias,ciencia ficción,la condición humana,...todo lo que hace de "Embryonic" de largo su mejor disco esta década y que de algún modo sirve para reunir gran parte de toda su trayectoria en un solo disco.

Por todo esto y mucho más,gracias.

Kevin Drumm : Imperial Horizon (Hospital Productions,2009)

La personalidad y el talento de un personaje como Kevin Drumm, está fuera de toda duda. Desde su aparición a finales de la década de los noventa con su debut "Kevin Drumm"(1997) se convirtió en un nombre pegado a la palabra noise.Palabras que alacanzaron su máximo siginficado en un disco como "Sheer Hellish Miasmah" (Mego,2002). Su nombre aparecía en la escena de improvisadores electrónicos que se servían de procesar y tratar los sonidos de la guitarra eléctrica para crear torrenciales descargas de ruido.En este disco, alcanzó niveles de extrema precisión.Estamos hablando de propuestas extremas, con tan fácil adhesión como repulsa.

Pero desde el año pasado, con el imponente "Imperial Distortion", Kevin Drumm nos muestra otra violencia extrema.La del silencio y el espacio.Su música se emparenta más con Eno o Niblock, con los loops de la desintegración o buena parte del catálogo del sello Touch. Característica que marca el paso a la madurez de la generación noise de esta década, como por ejemplo también de forma paulatina Wolf Eyes por citar un ejemplo.

"Imperial Horizon" está compuesto por un solo corte de una hora: "Just Lay Down And Forget It", que supone un largo y gélido paseo donde dejar libres todo tipo de pensamientos y que respira delicado. Además, el hecho de estar pensado el disco en un solo corte beneficia la experiencia de dejación y elevación mística (que a la media hora del recorrido alcanza su punto más delicado).

Es difícil explicar cuales son las razones que hacen a este disco imprescindible.O tal vez no,simplemente imprescindible.