sábado, 31 de agosto de 2013

Tim Hecker - Virgins (Kranky,2013)



Tim Hecker : Virgins. El reverso neoclásico y glacial de "R Plus Seven"


* Resulta curioso que un ep tan "aparentemente" fallida como el de Lopatin y Hecker, ahora adquiera más sentido al escuchar las derivadas de su obra en sus discos en solitario. Discos como "Virgins" y "Ravedeath 1972" se apoyan en un tercer vértice fundamental como es la percepción monstruosa del sonido y la descarnada interpretación ambiental de Ben Frost, deconstruyendo un factor minimalista con el factor acústico y la resonancia espacial de las grabaciones en directo junto a las capas de sintetizadores revolviéndose entre caóticas interferencias. Aún tengo que darle más recorrido hasta plasmarlo en la crítica para Concepto Radio, pero es un fin de semana de grandes filtraciones con este "Virgins" y el "Armed Courage" de The Dead C. Fenomenal noche de fin de vacaciones.

Y terminando con las coincidencias con la numerología como apuntaba en mis reflexiones tras "R Plus Seven" (aquí) , doy cuenta de las fechas en las que se filtraron ambos discos: el de OPN el 13, el de Hecker el 31. El primero, en una noche calurosa de verano y el segundo, en una templada noche tras las tormentas del Levante. Coincidencias, sin duda, pero sirven como perfecta historia personal a la hora de paladearlos.




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Vis à Vis - Odo Gu Ahorow (Ofo Bros,1976) / Obi Agye Me Dofo (Brobisco,1978)



La conexión espiritual y a la espina dorsal de estos dos discos del grupo de Ghana liderado por Isaac Yeboah , Vis à Vis, es demoledora. Afrobeat, highlife, funk y sintetizadores marcianos serpenteando entre lineas de bajo impulsadas de profunda pulsación a cargo de Slim Yaw Manu, los teclados de Abee Mensah en el primer disco y, especialmente, Tonny Dozis en el tema titular "Obi Agye Me Dofo", son de otro planeta, siempre acompañados por la dirección de Isaac Superstar Yeboah y la guitarra de Sammy Cropper (vibrante también su disco en solitario para el sello Makossa con HisWire Connections) y la solidez rítmica de un batería sensacional como Kung-Fu Kwaku, los vientos en "Obi Agye Me Dofo" de Paul Winter y Kofi Abrokwa. Es difícil explicar lo mucho que puedes sentir esta música. Robo y rapto. Tremendisimos trabajos.








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Akaba Man & The Nigie Rokets - Akaba 82 Volume One (Ekimogun,1982)



Curioso el album de debut de Akaba Man junto a The Nigie Rokets en este primer volumen jugueteando en sus cuatro cortes en diferentes territorios desde el afrobeat inicial de impulso funk entremezclado con las inflexiones vocales de Akaba Man en un tono de oratoria (también empleando el Edo como lenguaje)que acompaña al mantra rítmico en "Obo", pero que se revuelve con un calado de mucho más marcado aire proto-disco y acaba uniéndose con la astral extrañeza del baile en "Ta Gha Hunsimwen" y el aire de funk - highlife patillero con "Ta Ghi Rare". Composiciones arrebatadoras y entrañables al mismo tiempo. Sus dos discos posteriores producidos por Lukcy Lebarty , pero por youtube hay por suerte diferentes cortes desperdigados. Diversión garantizada.







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Nehizena Arase - Ekhoe (Ekimogun Sounds Industries,1982)



Seguimos con el desmadre africano este sábado con funky nigeriano a cargo de Nehizena Arase y su album de debut en 1982 también producido por Lucky Lebarty, como destacaba en el disco de Rob Arigo. En este caso las raices están más maracadas por el empleo del lenguaje del estado nigeriano de Edo (también llamado Bini) . Esta descarga de afrobeat y funk de su album de debut homónimo tambíen titulado "Ekhoe" es otra de las recomendaciones a rescatar. En este caso no hay ningún enlace de youtube circulando, pero haciendo un barrido por google he encontrado un blog con enlaces de descarga, estos blogs obviamente son un pozo inagotable de sabiduría : aquí.



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Robo Arigo - Sexy Thing , 1982)



Esta oscura maravilla disco/funk perpetrada por Robo Arigo junto al productor Lucky Lebarty es uno de los discos más irresistibles con los que me he topado en los últimos tiempos. Tentado de colgar el mítico de Ata Kak dentro de un rato también, pero sencillamente no puedo más que recomendar este "Sexy Thing" . Cazar estas perlas de verdad que no tiene precio. Destrozad vuestras pelvis. Entregaros a sudor más amargo.Get Up and Dance/F**k







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Ouedraogo Mamadou & l'Orchestre Super Rail Band International - (Sacodis, 1979)



Descubrir este album de la Super Rail Band liderado por Ouedraogo Mamadou ha sido una de las grandes alegrías este verano. La faceta instrumental como siempre es impecable, sensibilidad llevada a otra dimensión. Para los que no conozcais a la Super Rail Band: 

"The legendary band that has been an institution in Mali since the late 1960s, Super Rail Band, mixed traditional African instruments with electric guitars, led by the mesmerizing presence of singer and guitarist Djelimady Tounkara. The Super Rail Band was born out of a Malian government subsidy in the 1950s for local groups to integrate indigenous folk traditions into their music, including Mandingo jeli songs and hunting songs, which the band mixed in with Afro-Cuban dance rhythms, electric guitars and trap drums. For years, the band anchored a lively international scene at the dance bar operated by the Mali Rail Company at the railway station in Bamako, Mali's capital. 
The Super Rail Band served as an important launching pad for the careers of numerous West African musicians, including kora player and singer Mory Kante, guitarist Kante Manfila and Mory Kante and Salif Keita."

En este disco la guitarra de Djelimady Tounkara* acopañado por Dielly Moussa Kouyaté y el saxo estelar de Dexter Johnson conducen magistralmente a las inflexiones de Ouedragogo Mamadou. Un excelso tratado e irresistible...




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L'orchestre national "A" de la république du Mali - L'orchestre national "A" de la république du Mali (Bärenreiter-Musicaphon, 1970)




Siguiendo con la vena del anterior post y el destacar música que me resulta sencillamente maravillosa, una joya menos árida que la música de Mariam Bogayogo que destacaba antes como es la brisa de L'orchestre national "A" de la république du Mali, un disco embriagador y arrullado por armonías que casi pulverizan lágrimas. Música que te rompe, nostalgia voraz. En algún momento mi mente ha retrocedido hasta escenas de "Tabu" de Miguel Gomes.

Más información de este disco:







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Mariam Bogayogo - Vol. 2



Un auténtico flechazo cuando te dejas arrullar por el mantra vocal de Mariam Bogayogo, arropada por la minimalista instrumentación que la acompaña y unos coros que respiran como un eco fantasmagórico resonando son las virtudes de este fenomenal rescate al que accedí buscando música de la región de Mali. Por suerte, awesome tapes from africa es un caudal inagotable donde encontrar estas joyas periféricas a nuestro ámbito cultural, oscuros secretos perdidos en el tiempo y sepultados en tormentas de arena. El alcance aumentó al ver en youtube interpretaciones en vivo de su música. Una joya.






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viernes, 30 de agosto de 2013

Dale Cooper Quartet & The Dictaphones - Metamanoir (Denovali,2011)



"Parole de Navarre" (2007) y "Metamanoir" (2011), son dos perfectos cómplices para los amantes del jazz sedoso, humeante y crepuscular. No estamos hablando de material transgresor, pero de una mesura y oficio llevado con buen gusto, llegando por momentos a adentrarse en terrenos drone ambient cercanos a Kreng o Anduin. Tal vez a bourbon y zapatos de punta. Entra junto a Dale Cooper Quartet & The Dictaphones,

Te estoy esperando como una araña...




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The Mount Fuji Doomjazz Corporation - Succubus (Ad Noiseam , 2009)




La última vez que la vi recuerdo que me dijo: ¿si pudieras, en qué objeto transformarías esta música?

Al rebufo de la anterior: The Mount Fuji Doomjazz Corporation is the live improv alter ego of The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble




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The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble - Dark Night of the Soul (Parallel Corners,2010)




Hay momentos en los que me gustaría acercarme a tí y poder decírtelo...

"creo que la Mona Lisa no tiene cejas".





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Thomas P. Heckmann - Raum (Mille Plateaux, 1999)



Se acaban las vacaciones y tener tiempo de escuchar a las cigarras retronar desde la ventana.Hay discos que llegan a tus manos sin motivo aparente pero con la suficiente carga e impacto como para no engullir sin sentido toda la obra de un artista como Thomas P Heckman e intentar recalar más discos de sus diferentes alias e informarte de su labor editorial. Su perfil en discogs asusta (link), pero sucumbir a sus trabajos es completamente instantáneo. Eso ha ocurrido con este demencial "Raum", un excelente y oscurantista tratado ambient completamente vigente y absolutamente recomendable que, por suerte, podemos degustar desde su bandcamp. Imprescindible junto a las especiales entregas de los dos volumenes de "The Lost Tapes".



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viernes, 23 de agosto de 2013

Das Synthetische Mischgewebe ‎– Inventaire & Contradictions - Retrospective 1982-1988 (Vinyl-on-Demand,2004)


La imagen de la portada de este recopilatorio es una auténtica castaña pero por sorpresa no he encontrado nada mejor en internet (ni en la página del exquisito sello Vinyl On Demand). Hacer búsqueda y acopio de referencias de Isabel Chemin y Guido Hübner es una actividad demencialmente responsable para todo buen amante de las malformaciones electrónicas.


Das Synthetische Mischgewebe started in the early 80’s in Berlin with an electronic industrial / avant-garde associated cassette releases. 

A first LP on the outstanding Madrid based label Discos Esplendor Geometrico followed up by CD's and Vinyl on SFCR (F) and Pinch-A-Loaf (USA), Povertech (USA) as well as releases with likes as MSBR, Mnortham, Frans de Waard, Ios Smolders, Artificial Memory Trace, Thomasius, TBC, The Oval Language and others, as well as a pile of compilations. 

Guido Hübner of Das Sytnthetische Mischgewebe” wrote a piece for the Zeitkratzer Ensemble and its former sax player Ulrich Krieger, has been invited in the studio for Electro-acoustic music of the Arts Academy of Berlin and had Electro-acoustic compositions premiered in Berlin, Brugge, Caen. 
This LP contains exclusive, rare and unreleased material.




Junior Kimbrough - Most Things Haven't Worked Out (Fat Possum,1997)



El reconocimiento y el respaldo le llegó tarde al bueno de David Kimbrough, con sesenta años cumplidos vio como su obra comenzaba a publicarse en un absoluto entramado de obras esenciales partiendo desde "All Night Long" (1992), "Sad Days Lonely Nights" (1993) y coincidiendo con su ocaso vital llegaron con títulos aún más desgarradores como este "Most Things Haven't Worked Out" (1997) y el fantasmalmente titulado tras su muerte "God Knows I Tried" (1998). Obras excelsas que estaban repletas de plegarias y redenciones, miserias y fracasos relatados desde mantras dolorosos enfocados desde el espíritu electricificado del blues del Delta. Tremendísimos discos en cualquiera de los casos. Y un apunte donde se cuelan momentos para la ironía lúcida, como en el inicio de manera socarrona que empieza charlando en "Burn in Hell" y diciendo :

"You goin' to. You'll be there / If I go before you, if I die before you, I'm going to be there opening the doors, saying, / "Come on in there Brother Fuck"

Yeah Junior, ...Fuck it!






Frak - Some Live footage on youtube



Uno de mis propósitos este verano ha sido intentar cazar todas las referencias posibles del sello Börft, lo que se ha traducido en una tarea complicada pero apasionante cada vez que ibas accediendo a ellas, aunque la mayoría aún están en proceso de búsqueda y captura. Han sido años que la vuelta a la cacharrería analógica en la música electrónica como vía de escape de la infalible, pero previsible , arquitectura sonora del procesamiento sonoro mediante técnicas digitales. En diferentes referencias que he escrito en concepto radio hacía miradas en este aspecto y diferentes derivaciones en las qué tampoco quiero redundar en este momento. Tan solo recordar a Frak, mediante una serie de videos en youtube donde podemos observarlos en directo y comprobar que independientemente de la fecha, la fascinación por su música sigue intacta al optar por un método caótico de prueba y error absolutamente humano pese a nacer de cacharrería analógica. El error siempre ha sido un elemento clave como punto de avance en el arte, esa escapatoria abstracta y experimental que supone intentar domar la decoración dentro del vórtice de un agujero negro. Pronto me gustaría seguir retomando actualizaciones relacionadas con la música creada y editada por Jan Svensson.









Rufige Cru - Darkrider (Reinforced , 1992)



Aún sin la K en el nombre. La piñata dorada estaba apunto de estallar.

martes, 20 de agosto de 2013

Brian Crook - Bathysphere (Medication,2000)



Brian Crook tiene un disco en solitario, solo uno. Vaya disco este "Bathysphere". Puñaladas con cuchillos repletos de óxido en su filo. Para completar la tripleta de hoy de referencias paridas en Nueva Zelanda, tenemos a otro imprescindible reconocido por sus trabajos en formaciones como The Renderers, Max Block, participación en los discos más redondos de The Terminals o Flies Around The Sun, aunque sin duda alguna su trabajo en Scorched Earth Policy simplemente entra en las categorías de materiales imprescindibles e imperdonables (una actualización les tengo pendiente). En este disco en materia percusiva dos nombres aparecen que han colaborado con él en diferentes proyectos especialmente Peter Stapleton (Dadamah, Pin Group,...) y Robbie Yeats (The Dead C). Música desde el estómago, descorazonada y sangrante. "Bathysphere" es el puto infierno de la más retorcida emoción. Artista al que repasar todos sus discos una y otra vez. Esencial

reeditado en Meds, se pueden escuchar aquí algunos fragmentos

http://www.hhv.de/shop/en/item/brian-crook-bathysphere-287158



Sandra Bell ‎– Dreams Of Falling (Xpressway,1992)



No solo existe en Nueva Zelanda el pop ilustrado y de corte cercano a aquello que se llamaba "jangle pop". Hay ruido, peligro y vanguardia en aquella escena, como bien atestigua un legado tan eterno e incomensurable como el de The Dead C. Por el sello que fundó uno de sus miembros, Bruce Russell, en sus inicios como es Xpressway (después pasó su labor a Corpus Hermeticum desde el 92) han pasado algunos de los nombres clave dentro de la escena experimental en aquellas latitudes. En el disco de debut de Sandra Bell, encontramos una buena muestra de ellos colaborando en sus composiciones como son Alastair Galbraith, David Mitchell (3D's), Kathy Bull (Look Blue go Purple, Cyclops) o Peter Gutteridge (músico que estuvo en los momentos fundacionales de dos iconos kiwi's como The Chills o The Clean, aunque su propuesta más estable fue la que fundó como Snapper) que también editó su disco en solitario en el sello de Russell. Pero sin duda, una de las figuras más importantes presentes en el disco de Sandra Bell es Peter Jefferies cuyo album de debut en solitario dos años antes en el sello de Russell con "The Last Great Challenge in a Dull World" es uno de los discos más emblemáticos de aquella escena dedicándose a mezclar una suerte de universo entre el post-punk lo-fi cavernario y apuntes de cantautor marciano tremendamente soberbios. "Dreams of Falling" es un album que juega a dejarse querer por los compañeros que entran a compartir y a enriquecer las composiciones de Sandra Bell, que transitan por territorios tan marcianos como los de su ingeniero de sonido, el anteriormente mencionado Peter Jefferies. Sensacional trabajo, ideal para los que disfrutaron de aquella reedición de Flaming Tunes o el deformado criterio rock de sellos como Siltbreeze. Por desgracia no hay muchos documentos sonoros para compartir en la red.





Robert Scott - The Creeping Unknown (Flying Nun,2000) / Ends Run Together (Flying Nun,2010)




La justicia es un término bastante difuso y en ocasiones intransferible. En este caso, tal vez estaría hablando de una justicia poética definido como un tópico literario donde la bondad y la virtud son finalmente premiados y la maldad castigada. No sería la primera vez que se hace esta apreciación con cualquiera de los discos paridos desde la escena australiana o neozelandesa y tampoco sería ajeno el nombre de las formaciones en las que Robert Scott ha pasado como son The Clean, The Bats o The Magick Heads. Su música siempre se ha balanceado en territorios pop pero con matices folk y en su obra en solitario recurre a todos los logros y méritos alcanzados en su carrera para entregar perfectas madrigueras donde dejar que nuestra mente se relaje. Un disco de perfecta armonía soleada fue su album de debut "The Creeping Unknown" (2000) y muchísimo más orientado hacia terrenos de marcianismo lo-fi y experimental donde caben fragmentos de experimentación fantasmal y electrónica entre apuntes de pop sosegado o punzadas de nerviosismo rock. Un clásico destartalado en toda regla.




En contraposición a su debut, surge una década después la muestra lozana de pop mucho más elaborada desde el estudio y enfocado hacia composiciones atemporales titulada "Ends Run Together", jugando con la magia destilada en los discos de madurez de The Clean o The Bats, su voz se revela susurrante y las aristas están pulidas hacia una producción cercana a la de Mojave 3, The Go-Betweens o Pernice Brothers, por poner un ejemplo, en trece contagiosos fragmentos que se pueden escuchar en el bandcamp de flying nun. Para este 2013 además, promete un nuevo album titulado "The Professor and The Team". Dudo que decepcione.



miércoles, 14 de agosto de 2013

Oneohtrix Point Never - R Plus Seven (Warp,2013)




Martes y 13. Ni te cases , ni te embarques. En nuestro calendario, es un día que despierta supersticiones y mal farios de distinto signo. De algún modo, yo también me siento prisionero de este tipo de situaciones. Mi madre es todo un cúmulo de ellas. Me acuerdo de una que siempre me ha hecho gracias más allá del cruzarte un gato negro, tirar la sal o pasar por debajo de una escalera. Me refiero a la del "mal de ojo" y como mi madre le decía a mis hermanas que a mis sobrinos le pusiera la camiseta del revés para prevenirles este mal que les podía hacer enfermar.Hoy, es martes y trece y ni me caso ni me embarco, aunque la idea portuaria en el imaginario de un fan de Tom Waits siempre tiene un sentido poderoso. 

Sucede, que una noche de lo más entretenida charlando con Luis sobre tantas inquietudes musicales y análisis varios te topas con un disco tan asombroso como "R Plus Seven" con más de un mes de antelación y quedas absolutamente rendido a sus composiciones, además, completando un círculo de suposiciones sobre su nuevo trabajo y las derivadas de su generación sobre el tratamiento de los sintetizadores y un largo etcétera. Pero hoy no entraré en detalle en las virtudes de estas composiciones ni en un cúmulo de referencias en cada uno de sus cortes. Me he acordado de cuando me llevaban de caza a la finca de mi padre a Lorca, un lugar alejado de su núcleo urbano en el que tardábamos cerca de una hora en llegar y como miraba desconfiado por la ventanilla de aquel renault 12 verde familiar por si se precipitaba por el barranco.

En aquel entorno profundamente rural también estábamos rodeados por supersticiones y a la hora de cazar mis tios, tenían diferentes con respecto a determinadas acciones que no se debían realizar para no asustar a la perdiz de turno. Era caza menor y de poca efectividad por sus resultados. Al encontrarme con "R Plus Seven" en el souseek he sentido una sensación de emoción similar a la que tenían mis familiares al ver una perdiz en aquella finca, una mezcla de emoción y miedo a la pérdida de aquella presa. Sin contar con la imagen de ave azul de su icono. 

Cuando he observado que el album se había descargado por completo me he sentido cazador de algún modo. Al abrir las alas el disco, he sentido como hacer presa a un ave del paraíso, observando su plumaje y viendo como conseguía Lopatin condensar todo su universo sonoro hacia un nuevo nivel: utilizando voces de una manera cercana al minimalismo de Reich, jugando con las texturas como el procesamiento amable de Oval en sus primeros discos, jugando con el sentimiento de Ryuichi Skamoto en los sintetizadores, Plaid y Matmos balanceándose con Terry Riley y jugando con un sentimiento pop cercano a su aventura como Games, todo escupido de una manera torrencial, romántica y victoriosa. Celestial cuando abrazas el fragmento final de "Chrome Country" y las perseidas realmente se convierten en lágrimas de San Lorenzo. Un flechazo en el corazón de una noche de verano.

Un album exigente y cercano, donde puedes sentir su latido y unir con facilidad todas las fijaciones musicales que has tenido en los últimos años a la generación norteamericana  desde Lopatin, Ferraro, Keith Fullerton, Alex Gray y demás hasta día de hoy. Curiosamente, otra superstición con la fecha suele darse en los viernes 13. Recuerdo al poco de tener mi primer ordenador un experto informático en la radio contestaba acerca de la problemática de los virus en aquella fecha y como sugería una solución sencilla para aquel mal como era cambiar la fecha a sábado 14. 

El número trece, debo reconocerlo , no está entre mis favoritos y le tengo bastante rabia. De pequeño tenía una manía al ir hacia el instituto que era ir sumando los números de las matrículas de los coches que había en la calle y si sumaba alguno trece era mala señal, al contrario que si sumaban catorce. Al llegar allí, si los catorces ganaban a los treces tenía buenos presagios con la jornada. La suerte estaba de cara, pensaba. Mi predisposición a la felicidad se regía según leyes matemáticas, un lenguaje con el que siempre me sentía más a gusto que con las palabras, sin dar lugar a doble interpretación y siempre implacables. Restricciones que necesitamos para enfrentarnos a la incertidumbre o la incapacidad de un conocimiento más abstracto de nuestro entorno. 

Aún así, el día ha cambiado y ya marca catorce. Respiro aliviado escuchando estos diez gloriosos fragmentos. "R Plus Seven" tiene tatuado en mi mente el número 14.43 minutos de gloria.Más allá de "Far Side Virtual". Se ha convertido en un amuleto, además de uno de los mejores años de este 2013. Números y más números.



martes, 13 de agosto de 2013

Charles Mingus ‎– Mingus Ah Um (Columbia,1959)



Ella sabía cuanto odiaba aquellos bares irlandeses repletos de madera en la salida oeste de la autovía. El olor a vómito, meados, retortijones intestinales, sudor humano y aliento animal afloraba entre la lejía desde que se restringió el consumo de tabaco. El humo de un cigarrillo no podía ser tan nocivo como aquellas combinaciones a las que me enfrentaba cada jueves al encontrarme con ella. No había más remedio. En esta ocasión intentaba mantenerme animado pensando en beberme una buena cerveza de barril y tranquilizar mi sentimiento de culpabilidad. Por suerte, su coche estaba aparcado cerca de la entrada. No tendría que esperarla como siempre e intentar esquivar las miradas del resto de la clientela de una manera torpe y nerviosa. Su melena y escote presidían la barra. Por sorpresa, comenzó a sonar "Better Get in Your Soul" de Charles Mingus. "Creo que este sitio va a gustarte", me dijo. Poco más recuerdo de aquellos días.





Barry Adamson - Moss Side Story (Mute,1989)



El primer disco de Barry Adamson, "Moss Side Story", es una de esas maravillas a las que me aferro en cuanto necesito un referente imaginario donde crapulismo, elegancia, cowboys con gafas de sol, perfume,sudor, tatuajes,alcohol demoníaco, asesinato, misterio y femmes fatales recorren mi mente. Un disco soberbio que conoció dos acompañantes dentro de una trilogía completada por los también apasionantes "Soul Murder"(92) y "Oedipus Schmoedipus"(96). La frase que acompaña la portada del disco, tiene ese toque justo de suspense noir con :

"In a black & white world, murder brings a touch of colour..."

Un disco intachable y mágico. Esa atmósfera de perdición en la que te ves envuelto, que ya estaba allí antes de que hubieses llegado.





martes, 6 de agosto de 2013

Heidika - Tide Of Bells & The Sea (Sustain - Release , 2008)



Revisitar la obra de Richard Skelton proporciona siempre un placer difícil de medir, tan solo comparable para mi como el reencontrarme con discos de Richard Youngs, músicos que no están tan alejados en sus reinterpretación de la música tradicional como parece. De los distintos alias que Skelton ha empleado en su trayectoria (Carousell, A Broken Consort,Clouwbeck, Harlassen, Riftmusic) y lanzados buena parte de ellos desde su plataforma Sustain-Release o participar de las preciosas referencias de Corbel Stone Press,... una historia y discografía asociada a la pérdida del ser amado, a la desconexión con el entorno, las immersión comentada a propósito de su album "Landings" como : "Part of the process, for me, was a feeling of complete dislocation, and a consequent desire to anchor myself. To root myself in the physical. In landscape."

La música en este breve ep titulado "Tide of the Bells & The Sea", bebe de una manera mucho más acentuada de la manipulación electrónica pero alcanza niveles de belleza y abstracción sobrecogedores y es una de mis piezas favoritas de su discografía. Una escapatoria emocional derretida entre el paisaje árido, fundido con el asfalto y el olor a tomillo, carrasca y romero mientras las cigarras resuenan como el gospel de la desolación.



lunes, 5 de agosto de 2013

Trevor Wishart ‎– Journey Into Space (1973)



Escribiendo una reseña para el disco de Rashad Becker, me he acordado de esta bendita joya de exploración sonora electroacústica de uno de los compositores pioneros en el Reino Unido como fue Trevor Wishart. Obra Maestra y un absoluto viaje donde 48 músicos (alumnos) están acreditados en las distintas grabaciones.Amantes de AMM,Steve Beresford, Basil Kirchin, Jon Rose, Graham Lambkin-The Shadow Ring, etc. aquí tienen un filón imposible

"This album truly is something different. Predating Wishart's excellent "Red Bird" (reissued in the 1990s on the CD Red Bird/Anticredos), Journey Into Space was composed over the course of three years (1970-1972) and self-released the next year in the form of two separate LPs sold by the composer himself.
In early 2002, the Paradigm label reissued the complete work on one CD. With its total duration of 79 minutes (quite ambitious in those days) and its then-unique amalgam of concrete sounds, tampered bits of free improvisation, and scored musical events, the work stands out. Yes, as Wishart himself points out in the new liner notes, some transitions are crude. Someone listening to it without a historical perspective could easily find many examples of naïve sound juxtapositions and overtly explicit symbolism (especially when compared to the complex networks of symbols found in "Red Bird").
Nevertheless, the piece still holds a pioneering freshness and commands respect. Plus, those who prefer tape compositions that follow a narrative will be charmed by the underlying allegory that takes listeners from a "Birth Dream" to a "Journey" in which a man's "day in the life" parallels a rocket launching and the eventual expanded understanding of life found in the metaphysical "Arrival."
The space theme, most probably inspired by Neil Armstrong's moonwalk (still a news event when Wishart started to work on this) is what dates the piece. Furthermore, it gives it some sort of psychedelic aura — the sequence in which the man wakes up and prepares to go to work can't help but recall Pink Floyd's "Alan's Psychedelic Breakfast." The instrumental passages include contributions from a cast of York University alumni, including students Jonty Harrison and Steve Beresford. Despite its flaws, Journey Into Space remains a fascinating listen and an important document from a key period in avant-garde music history. — François Couture "

"Trevor Wishart 
Born  1945 in Leeds, England 

Trevor Wishart has begun his active career as a composer of orchestral and electro-acoustic music, but his interests soon diverge to the computer and the human voice. Even if some of his works have won prestigious prizes, Wishart will also be remembered for his important advancement in computer-based sound processing technology and his implication in community arts and music education. The late '90s saw his popularity rise among avant-garde circles, leading to the reissue of part of his discography and the recording of new works.
Wishart was born 1946 in Leeds, England. He grew up there and would spend most of his working life in Northern England. Little is known about his musical upbringing, but he started to work with recorded sounds in 1969, in reaction to the death of his father. Abandoning traditional composition, he began collecting sounds of machinery. 

The 1970s saw him very active, splitting his time between electro-acoustic composition, site specific projects ("Beach Singularity," 1977), work with amateur and community groups (he collaborated with Interplay, a team of music street workers), and the development of new workshop techniques. This fertile period yielded "Red Bird," a compelling tape work five years in the making (1973-1977) that first expressed his fascination with sound transformation. The piece was awarded a Euphonie d'Or by the Bourges Festival.

During the 1980s, Wishart focused on developing composing tools for the computer. Begun during a passage at the IRCAM studios in 1986, his series of sound transformation software instruments are available as part of the Composers Desktop Project. Wishart's interest in avant-garde music has always been coupled with a desire to create it and the means to make it available to the general public. His software, tailored to be easy-going and resource-savvy, is just another way of achieving his goals.

Composer residencies in Australia, Canada, Holland, Berlin, and the U.S.A. allowed him to introduce his works to different audiences. All the while he developed a series of educational musical games published as Sounds Fun and Sounds Fun 2 and later translated in Japanese. Workshops with Contemporary Music for Amateurs, the Firebird Trust, the London Sinfonietta and Sonic Arts Network led to participatory multimedia projects in Japan, Scandinavia, and the U.K. 

After a period of writing for the human voice (the "Vox" cycle), Wishart came back to electro-acoustic composition in the 1990s with "Tongues of Fire" (Golden Nica at the Ars Electronica competition in 1995) and the Voiceprints cycle (also the title of a CD released in 2000). He is also the author of two books on sound transformation: Sonic Art (1985) and Audible Design (1994). — François Couture"


jueves, 1 de agosto de 2013

Organum - Vacant Lights (Aeroplane, cs,1987)





La obra de David Jackman es un auténtico filón para amantes de Maurizio Bianchi o Nurse With Wound. Entre esos dos universos se coloca una obra de tan rotunda belleza oscura como "Vacant Lights", dos extensas piezas que sobrecogen y son una auténtica debilidad. Una de las recomendaciones más encarecidas que puedo hacer.

"There are few artists more elusive than David Jackman. Active in modern music since the early 1960s, Jackman took part in British composer Cornelius Cardew's crucial Scratch Orchestra, which at various times has featured luminaries such as granddaddies of noise AMM, composers Howard Skempton and Gavin Bryars, and the legendary Brian Eno. Since then-- either under his own name or under the more recognized moniker, Organum-- Jackman has released countless records that exist on the peripheral edges of industrial and experimental music.   As private as Jackman is, his list of collaborators reads like a who's who of experimental heavyweights: Jim O'Rourke, Nurse with Wound's Steve Stapleton, Current 93's David Tibet, Main, Eddie Prevost, The Haters, The New Blockaders, and Christoph Heemann have all had roles in his Organum project."

Vacant Lights works so well because it seems so simple. There are two players, David Jackman (who is the center of Organum) and Dinah Jane Rowe. In what appears to be an improvised live performance, they bow metal (perhaps gongs or cymbals?), roll metal pipes along the ground, and play breathy fragments of melodies on what sound to me like shakuachis, or wooden flutes of some sort. The ever-present coating of reverb that accompanies most Organum recordings adds portense to the spare movements of the players, but it isn't overbearing here as it is on Ikon or other less successful Organum records. What takes Vacant Lights to the next level is that it appears to have been recorded outside, on a city street.

The Organum duo plays along to the sounds of passing cars, city buses, honking, wind, distant urban noise... throughout, they are highly sensitive to their surroundings, treating all sounds as equal compositional elements. At times, they play beneath the city sounds, adding a layer of rolling fog under the environment. At other times, the flutes poke through, but find some aboveground pitch to blend into; eventually, environment and intentional playing become indistinguishable. Two producers (including Nurse With Wound's Steven Stapleton) are to credit for bringing the environment into the recording with such detail and clarity, but ultimately the success belongs to Organum for creating a record that is part field recording, part improvisation, and finally something unique. It's such a simple and well-executed idea, that the depth of music belies its illuson of naturalness and effortlessness"