domingo, 8 de marzo de 2015

Franca Sacchi



  • Franca Sacchi (1940-?)

Otra figura femenina destacada en Italia aquella época fue la milanesa Franca Sacchi, estudiante del Studio Di Fonologia Musicalle de la RAI tras sus estudios de piano, abarcando sus trabajos en estos campos de experimentación electrónica durante casi una década (1966-1975) , aunque la naturaleza de su obra se muestra terriblemente meditativa, adelantándose a la candidez ambient como se puede apreciar a los trabajos recogidos de “EN”. Este título representaba lo que ella denominaba principio“en-static” que hacía énfasis en la improvisación además de la música electrónica, rituales, performance, enseñanza y meditación. La exploración sensorial de su obra avanza una sensibilidad que reconocemos con mayor facilidad a posteriori, y alcanza niveles de emoción y profundidad realmente sorprendentes.

El material al que podemos acceder de su obra, nos muestra composiciones del período de 1970-1971 en la reedición de Die Schatel de 2004, pero hay dos referencias (al menos imposibles de rastrear para mi) como son el trabajo para piano editado en 1973 titulado “Ho Sempre Desiderato Avere Un Cane, Un Gatto Ed Un Cavallo - Ora Ho Un Gatto Ed Un Cavallo, Mi Manca Soltanto Il Cane” y “Essere” de 1975. Después de aquella época, se centró en aspectos alejados de la composición:

I am no longer interested in the production of creativity, but rather in its expression, in the manifestation of a truly creative existence. This is in no way a “tabula rasa”: I don’t think it will ever be possible to avoid conditioning factors – I simply do not identify myself with them anymore. I reject the formal organisation of sound as well as the tight relationships imposed on both sound and movement; I reject any form of rationalisation that comes from the outside, like some sort of imposed rhythm. I respect the vital and biological rhythm only and, above all, the ontological one. From now on I will work on the primary subject: the living human being.

Aunque el misterio de estos datos se soluciona con la roja profundidad de su arte.

-Trabajos recomendados:

* EN (Die Schatel , 2004)

-Información en su web:

http://www.francasacchi.it/home.php





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Teresa Rampazzi (1914-2001)


Hace dos años que escribí un artículo sobre la figura femenina dentro de la música experimental dividido en tres partes. La primera, se centraba en una generación de pioneras de la música electrónica, por decirlo de algún modo, y que experimentaban con nuevos instrumentos y avances tecnológicos de su época para dar vida a sus composiciones. El nombre elegido en honor a Johanna Beyer fue "Women of the Spheres" La restricción en aquel artículo era elegir diferentes figuras nacidas antes de 1950 y, con el paso del tiempo, he conseguido reunir más nombres para ampliar esa lista, aunque su continuación quedó en el limbo. La segunda parte del artículo, se centraba en figuras del presente y tomaba el título de una composición de Laurel Halo de ahí "Light+Space: Lady Days" . Por último, una serie de trabajos que se fijaban en diferentes expresiones artísticas y géneros rastreando nombres sobradamente conocidos, Alice Coltrane o Brigitte Fontaine, y especialmente presentar trabajos poco conocidos bajo el título de "Wilde Señoritas" en honor a un álbum de Irène Schweizer.

Volviendo al primer apartado, siempre estuvo en mente completar algunos nombres que fueron apareciendo rebuscando por diferentes portales, webs, etc. Aún así, de aquel primer artículo se quedaron dos nombres sin publicar y que al no ampliarse el artículo en una segunda parte quedaron redactados y sin publicar. Aprovechando la fecha del día Internacional de la Mujer recupero en dos entradas a las figuras de Franca Sacchi y Teresa Rampazzi. 


Teresa Rampazzi (1914-2001)

Dentro de los nombres de vanguardia a nivel europeo, hemos centrado nuestra mirada principalmente en Francia alrededor del GRM de Pierre Schaeffer y la BBC Radiophonic Workshop, pero el tercer vértice de este triángulo debe completarse desde coordenadas italianas. Teresa Rampazzi, fue otra de las pioneras de la música electrónica y una de las almas que representaban la modernidad y vanguardia en Italia, formando el colectivo NPS (Nuove Proposte Sonore) basado en la investigación de la creación sonora desde medios analógicos. Pero ese camino de descubrimiento y revolución de su formación clásica al piano. Teressa Rossi (su verdadero nombre), participó en los coros de un concierto de Luigi Nono, quedando impresionada con un pequeño generador de frecuencias utilizado, regresando a Pádova e incluso vendiendo su piano más tarde.

En aquella época, entró en contacto con diferentes artistas de la época: Niccolò Castiglioni, Franco Donatoni, Severino Gazzelloni, René Leibowitz o Heinz-Klaus Metzger , además de participiar en un concierto de John Cage, pero no cristalizaron todas esas obsesiones hasta conocer a Ennio Chiggio (un artista visual del Gruppo Enne) que trabajaba para una compañía que fabricaba equipo electrónico y de aquellos experimentos, surgió el material sonoro que acompañaría a una representación del Gruppo Enne en la Biennale de Venecia. 

En 1965, fundó el colectivo NPS consiguiendo adentrarse en los mismos territorios de experimentación que el influyente Studio Di Fonologia Musicalle de la RAI, fundado por Luciano Berio y Bruno Maderna en 1954 y que derivaron en dos extensiones realizadas por alumnos de estos pioneros como Pietro Grossi con el Studio Di Fonologia Di Firenze en 1963 y el Studio Di Musica Elettronica Di Torino en 1964 por Enore Zaffiri. Entre los siete años de producción sonora del NPS, Rampazzi consiguión facturar una serie de trabajos experimentales que en algunos casos servían de soporte a documentales (como “Gastroscopia”) o ballets. Desde la desintegración del NPS, la labor de Rampazzi estuvo centrada en la docencia y en la investigación para diferentes instituciones.

Trabajos recomendados:

  • Musica Endoscopica (Die Schatel,2008)
  • Gruppo NPS -Nuove Proposte Sonore 1965-72 (Die Schatel,2011)


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lunes, 16 de febrero de 2015

Steff Sulke - Oh, What a Lovely Day (AZ,1967)



Tenía muchas ganas de escribir un artículo sobre Broadcast y, al final, hoy ha sido publicado en This is Underground, con motivo de sus próximas reediciones en vinilo y gracias al amigo Frankie Pizá. Una espina clavada menos. Así que ha sido un día maravilloso y para cuadrar el círculo una joya de Steff Sulke en honor a una de mis bandas favoritas y de particular devoción personal como la encabezada por Trish Keenan y James Cargill. Os dejo los enlaces. Ha sido un día redondo. Hasta pronto. 

http://www.thisisunderground.com/noticias/informes/broadcast-oh-how-i-miss-you


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Gloria Ann Taylor - Deep Inside of You (Selector Sound)


Continuando con el post anterior, es el turno de Gloria Ann Taylor y este Ep de culto, cuya grabación del corte original se supone de 1973 y posteriormente estas tomas fueron regrabadas en una nueva versión para acercarse a la "era-disco" de donde tomaban singles previos como "Love is a Hurtin' Thing" de 1970 o "What's Your World" de 1976. Tres sublimes composiciones que al ser retocadas acaban teniendo un perfume psicodélico y entre esa maraña de sonidos celestiales en las diferentes composiciones, en las que brilla la poderosa revisión de "What's Your World" de Leon Ware de su álbum de debut en 1972, nos empujan hasta Saturno directamente. Tremendo y desgarrador. Objeto de coleccionista y de deseo habitual en discogs con precios desorbitados. Pura trufa. Deleite.






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Walter Whisenhunt - I'm Saluting You For Your Love (And Understanding Ways) (Whisenhunt Records)


Si este single de Walter Whisenhunt es una maravilla, la marcianada que creó con su mujer, Gloria Ann Taylor, ya no tiene nombre. Disco boogie infeccioso,cuidado y con una cadencia astral. Una auténtica burrada. Disfruten y suden.


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sábado, 31 de enero de 2015

The No-Neck Blues Band - Sticks and Stones May Break My Bones But Names Will Never Hurt Me (Revenant,2001)


En 2013 el sello De Stijl recuperó de manera digital el catálogo de The No-Neck Blues Band con motivo de su 20 aniversario de vida por parte del colectivo, enmarcado en una serie de actuaciones que sirvieron de celebración . Muchos de los fans de la formación, gran nómina de nombres célebres dentro de la escena experimental, se encargaron de revisitar el contexto y la importancia de cada uno de sus discos. Sobre "Sticks and Stones May Break My Bones But Names Will Never Hurt Me":



"Sometime in 1999 we were contacted by Dean Blackwood of Revenant Records, asking us if we wld be interested in hosting John Fahey at our Hint House compound in Harlem, with an eye toward a US tour with NNCK to follow. We agreed, + upon meeting Fahey in raybans at JFK it was clear that our lives wld never quite be the same. After doing a few shows w him in NY, it was decided that NNCK wld make a record fr Revenant, which was Fahey’s label. In order to rise to this auspicious occasion, we enlisted the legendary 60’s underground record producer Jerry Yester, whose work fr Zal Yanovsky, Tims Buckley + Dawe, + his own Farewell Aldebaran + Rosebud LPs w his wife Judy Henske we considered to be visionary. The results mark the fulcrum upon which the NNCK legacy rests. Originally packaged in a custom plexiglass + branded wooden package, + named by Edwin Pouncey of Wire magazine as his choice fr the best record of 2001. 
Sticks and Stones was the first project in my newly constructed studio, Willow Sound, deep in the Ozarks of NorthWest Arkansas, 1999. 

I should’ve stopped right there. NNCK floated into town on a vapor, and left the same way (Not without the notice of the local constabulary, who hassled them on their way out, for… “Bein’….just too differnt!"). They left, but not before making the most unusually creative pieces of work I’ve ever been fortunate enough to’ve been involved with. At a time when most bands ran the gamut from “A” to “B”, These folks invented a whole new alphabet! From seemingly Old Blues, to Primordial Soup. Many Musical forms will improvise the content in a given framework; with them the framework was up for grabs. Everyone should be this much fun to work with. 

~ Jerry Yester " (*link*)

La falta de descanso, y la turbulenta combinación de lluvia y viento esta mañana, me ha hecho volver a uno de mis discos favoritos de la formación al que llegué gracias a la buena acogida por parte de la crítica en su día y verlo en el top10 del año en The Wire. Fue una puerta de entrada en su día al género del folk psicodélico y psicotrópico que, posterormente, me llevaría a descubrir muchos de los grupos que sondeaban por estas coordenadas a principios de la década pasada y que tanto me fascinaron. Hoy brindo por ellos.

Recupero al mismo tiempo, una entrevista que hice a Pat Murano, miembro de la formación:

http://www.conceptoradio.net/2014/01/21/en-conversacion-con-pat-murano/

Una grabación sobre su actuación en 2013 en Issue Project Room





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martes, 6 de enero de 2015

King Tubby & Yabby U ‎– King Tubby's Prophesy Of Dub (Prophets,1976)


Obviamente es lo que toca el de Los Reyes Magos.

King Tubby 

De la nota de prensa de la reedición de 1995 de Blood & Fire:

"Roots master Vivian Jackson, also known as Yabby U, teams up with King Tubby to create mystical dub versions of some of his greatest songs, many of which were inspired by numerous readings of the Book of Revelations. The lavish 16-page CD booklet amplifies these apocalyptic themes to stunning effect. This album was long unavailable since its first and only limited edition release in 1976."




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lunes, 5 de enero de 2015

Azanyah - The One (Path of Light,1987)


Siguiendo por la senda espiritual jazz, y con las reediciones de Jazzman , el impresionante trabajo de Azanyah en "The One". Disco perfecto para salir del desfase navideño, que llega a su fin y del que uno celebra sobrevivir, y un buen regalo para una mañana soleada en el Levante, Colosal.

"Suffused with spiritual uplift but lacking any saccharine in either content or production values, Azanyah communicates in a language that harks back to the great message bearers of an earlier time: the musical language of Coltrane, Pharaoh and their fellow travellers, musicians who had journeyed deep into the wellsprings of the African-American and African traditions, and returned with complex, burnished artifacts that spoke of the highest truths with incandescent urgency. Its musical message underpinned by the deep pulse of the eponymous Mamaniji Azanyah’s bass, The One is a document that seems somehow out of time: it comes as a surprise that this album was recorded in the ‘80s, although The One is not a nostalgic throwback to the revolutionary period couple of decades earlier. Rather, it is part of a long continuum of committed visionary sound, drawing strength from the same sources that inspired its forebears, and walking on the same paths toward enlightenment. Raw, earthy, deep jazz - Spiritual Jazz at its finest!

Since 1984, Azanyah, a septet under the co-leadership of Mamaniji Azanyah and Immanuel Zechariah, has performed to appreciative audiences throughout the southeastern United States at major music venues, jazz and music festivals, and community celebrations, including; the Variety Playhouse, Atlanta Jazz Festival, Birmingham Heritage Festival, National Black Arts Festival, Atlanta/Montreaux International Music Festival, Birmingham Seven Stages Festival, and KingFest. Azanyah’s banner reads “Creative Spiritual Expression in the Improvisational Tradition” and aptly characterises the nature of their presentation. Utilising a powerhouse acoustic instrumental ensemble, with the added feature of equally powerful lead vocals, Azanyah transports the listener through a kaleidoscopic soundscape experience of pan-African rooted, World Music, filled with prophetic rapture, meditative bliss and reflective wonder."





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domingo, 4 de enero de 2015

Owen Marshall - As Captain Puff in the Naked Truth (Aditi,1975)


No puedes pedir más para un domingo por la mañana. Disco de jazz espiritual de espíritu exótico y vibraciones cercanas a Sun Ra, Leon Thomas, Pharoah Sanders, el Don Cherry más cósmico entre otras consideraciones que llevan tiempo haciéndose eco muchos blogs y portales aficionados a la investigación de ediciones privadas. Reeditado por Jazzman en 2012, este legado único de Owen Marshall con " As Captain Puff in the Naked Truth" es una absoluta belleza.

"This excellent and EXTREMELY rare original private pressing from 1975 is difficult to comfortably categorize.  I guess you could get away with calling it a soul jazz or jazz funk LP (yes, there are funky cuts and, yes, there is a dope drum break), but that wouldn’t do this fantastic album justice as it also has strong elements of spiritual jazz, Sun Ra style space psychedelia, brooding atmospheric electronica and even one grooving calypso-like jam. 

Owen Marshall was a very interesting and creative musician (note all the instruments that he plays on this album). He’s played with truly great musicians such as Max Roach, Jackie McLean, and even Chet Baker. He received composer and arranger credits on Lee Morgan’s first two Blue Note albums and appears on both of Calvin Keys, Black Jazz label releases. 

Personnel: Owen Marshall background vocals, flute, alto saxophone, guitar, piano, electric piano, Obe synthesizer, drums, bongos, steel drum, bamboo scraper, baja bird talk, toilet chimes, and tube-a-phone; Bonita Versh background vocals; Cheryl Marshall background vocals; Ernest Straughter electric piano; Danny White bass; Danny Whatley - fender bass; Shakur Abdullah drums, congas; Derrick Roberts drums; Mcheza Blue percussion"





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sábado, 3 de enero de 2015

Happy New Year : Ferry Djimmy & His Djinks


Feliz año a todos. 

Vuelta a las andadas

Ferry Djimmy & His Djinks y sus dos tremendísimos singles en Emi Pathé en el 75.

Enjoy the groove!






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